viernes, 29 de marzo de 2024

1184.- Rock your baby - George McRae



George McCrae debutó a lo grande con el single "Rock Your Baby", tema precursor de los grandes himnos dance de los setenta, que fue escrito y producido por Harry Wayne Casey y Richard Finch de KC and the Sunshine Band. Fue un éxito absoluto de ventas en 1974, alcanzando el primer puesto tanto del "Hot 100" como del R&B chart en Estados Unidos, y llegando también a lo más alto del UK Singles Chart.

El aluvión de ventas y popularidad de "Rock Your Baby" fue totalmente inesperado tratándose de una canción destinada originalmente a la KC and the Sunshine Band, cuya base musical fue grabada en tan solo 45 minutos como una demo con Jerome Smith a la guitarra, los teclados de Harry Wayne Casey y con Richard Finch en el bajo y la batería programada. Casualmente, George McCrae andaba por el estudio y añadió la parte vocal, y la curiosa mezcla entre el ritmo pegadizo de la base y la suavidad y calidez de su interpretación vocal resultó ser mágica.

"Rock Your Baby" despertó a la vez admiración y sana envidia entre otros músicos de su generación. Por ejemplo, el popular grupo sueco ABBA la usó como inspiración para la base rítmica de su célebre "Dancing Queen" de 1976, y el mismísimo John Lennon declaró que "habría dado uno de sus dientes por haber escrito esa canción", y se basó en ella para la progresión de acordes de su éxito "Whatever Gets You thru the Night", grabada solo unos meses después que "Rock Your Baby".

Disco de la semana 370 - Talk Talk Talk - The Psychedelic Furs



Tras un primer disco homónimo publicado en 1980, la banda de rock británica The Psychedelic Furs publicó en 1981 “Talk Talk Talk”, su segundo álbum de estudio. Producido por Steve Lillywhite, esta segunda entrega de los Psychedelic Furs muestra su lado más brillante, tanto en la lírica de las composiciones como en el áspero sonido underground y post punk que impregna al disco, que los críticos definieron como "hermoso caos" o "extraordinaria basura".

Buena muestra de ello es el sonido distópico y decadente de guitarras y saxofón de "Dumb Waiters", la canción con la que da comienzo “Talk Talk Talk”. Más luminosa es "Pretty in Pink", el poderoso single de lanzamiento del disco, que llegó hasta el número 43 de las listas de éxitos británicas en 1982, y que cuatro años después, en una versión regrabada, experimentó un renacer que la llevó al puesto 13, de la mano del cineasta John Hughes, que la convirtió en el título y tema central de su película "Pretty in Pink" (1986).

El disco consigue una apreciable unidad de sonido, comparable en cierta medida al "muro de sonido" característico de Phil Spector pero desde una perspectiva más "destartalada" y minimalista de cinco muchachos entregando un himno post punk tras otro. "I wanna sleep with you" es uno de los temas más potentes, con abrasivas líneas de guitarra y ese toque a canción apocalíptica y oscura que se desmarca de cualquier romanticismo new wave ("No quiero darte flores, solo quiero dormir contigo"). "No Tears" es menos áspero y con un toque más melódico y taciturno, pero sin dejar por ello de pisar el acelerador, y "Mr. Jones", segundo single del disco, es una ondeante bandera de post punk y uno de los momentos más acelerados e intensos del álbum.

En "Into You Like a Train" ("entrando en ti como un tren") vuelven a dejar claro que lo suyo no es el romanticismo ni el lamento por el amor correspondido de grupos coetáneos como Joy Division. No en vano, habían decidido formar un grupo tras ver un concierto de The Sex Pistols en el 100 Club Punk Festival, y ese toque punk se mantiene en cierta medida en la rudeza y el nihilismo de las letras de "Talk Talk Talk", sin dejar por ello de lado otras tendencias e influencias musicales de grupos y artistas como David BowieThe Stranglers, Roxy Music o The Velvet Underground. La canción surgió de una improvisación en el estudio, de la que les vino la idea para la directa y carnal letra.

Así surgieron también otras canciones como "It Goes On", "So Run Down" o "All of This and Nothing", temas que, como el resto del álbum, venían medio escritos en blocs o en servilletas y que con la música que iba surgiendo en los ensayos se les iba completando la letra hasta darles el toque final. Y ya que hablamos de final, el del disco llega con "She is mine", un medio tiempo de destacados arreglos de saxofón, que es lo más parecido a una balada que se puede encontrar dentro de un disco que captura el aura de The Psychedelic Furs en su mejor momento creativo, con el que buscaron llegar al público masivo con una propuesta robusta y que no cayó en las concesiones estilísticas con las que habrían podido encontrar un atajo en su largo camino hacia el éxito.

jueves, 28 de marzo de 2024

1183.- Until you come back to me - Aretha Franklin



En 1967, Stevie Wonder grabó "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)", una agradable y melódica balada de soul y coros góspel al típico estilo "Motown", que había escrito él mismo junto a Morris Broadnax y Clarence Paul, pero no consideró que la canción tuviera el potencial suficiente como para ser publicada como single, y tampoco la llegó a incluir en ninguno de sus discos hasta 1977, cuando fue parte de la antología de canciones "Looking Back".

Sin embargo, en 1973 Aretha Franklin se topó con la canción  y vio en ella el potencial que Wonder no le había otorgado, y grabó "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)" como single, con el tema "If You Don't Think" en la cara B, y no tardó en recoger los frutos de tan acertada decisión, porque el sencillo llegó  al primer puesto de las listas de ventas de R&B, y al tercero de la lista general del Billboard Hot 100 en 1974.

Con el éxito de "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)", Aretha Franklin se convirtió además en la primera artista en la historia que logró tener en la lista "Hot 100" una canción que estuviera en los de diez primeros puestos de la lista durante su recorrido comercial, algo que después solo lograron repetir Marvin Gaye en 1983, Madonna in 1996, Drake en 2013 y Taylor Swift en 2015.

miércoles, 27 de marzo de 2024

1182.- Ni mas ni menos - Los Chichos

Julio, Jero y Emilio fueron la primera formación de Los Chichos en sus comienzos, un trío musical gitano que tuvo su evolución en los primeros años setenta surgidos en Madrid en la barriada El Pozo del Tío Raimundo, sin quererlo se convirtieron en la banda sonora de la transición, unos chavales que con unas letras sencillas, lograron llevar el sentimiento de la calle a sus canciones y desde las gasolineras a los primeros puestos de listas de éxitos. Su primer disco compuesto por 12 canciones se publicó en 1974 y viene precedido de la mano de Juan A. Jiménez que se convertiría en protagonista indiscutible de la mayoría de los grandes éxitos de Los Chichos. Con Ni más ni menos y Quiero ser libre (primer single publicado en 1973) alcanzan las listas de éxitos gracias al boca a boca de sus seguidores, pero no todo era "aquí gloria y después paz", ya que también sufrieron el rechazo de los medios públicos como televisiones, radios o prensa e incluso censuras en sus canciones por ser considerados provocativos e inmorales. La temática de Los Chichos se halla en la sociedad marginal donde vivían y veían injusticias que algunos familiares, amigos o vecinos tenían, pero no solo tocaban las injusticias, el trío abarcaba todo tipo de índoles como era la infidelidad, el maltrato o el amor. Es por todo esto que sus "CHICHEROS" se sienten identificados por el realismo de sus letras y los consideran auténticos ídolos, sobre todo los que estaban privados de libertad. Cada uno de ellos en su puesto, Jero en medio, Julio a la izquierda y Emilio a la derecha, forman el grupo perfecto.


Antonio Sánchez, padre de Paco y Pepe de Lucía, los llevó a la discográfica donde grababan el mismo Paco y también el mítico Camarón de la Isla. En 1974, publicaron su primer disco, «Ni más, ni menos» (Philips), donde se encontraba la canción del mismo nombre que resultó un éxito sin precedentes en el mundo de la rumba y se codeó con los hits de la música pop de la época. Con su característica mezcla de palmas, guitarras flamencas y letras emotivas, «Ni Más Ni Menos» supo combinar la esencia del flamenco con un enfoque más contemporáneo. Sus rumbas eran callejeras, fuera de lo común y cantando en sus letras en caló, algo inaudito que nunca nadie se le había ocurrido, gusta mucho y entran muy bien en el pueblo gitano. Ni mas ni menos no solo fue un éxito comercial, sino que dejo una huella indeleble en la música española al ser pioneros en fusionar el flamenco con otros generos, allanando el camino para muchas bandas posteriores, además de su capacidad para conecta con la gente común a través de sus letras honestas y emotivas que los convirtió en iconos culturales. El primer álbum de Los Chichos es un tesoro en la historia de la música española, con su fusión única de flamenco, rumba y pop, la banda dejo una marca imborrable en la escena musical. Las canciones de este disco siguen siendo amadas y escuchadas por generaciones de fanáticos y el legado de Los Chichos perdura como uno de los mas importantes de la música contemporánea. Este álbum es un recordatorio de que la música puede unir culturas y estilos de vida de manera inesperada y hermosa


Red Hot Chili Peppers - The Getaway (Mes Red Hot Chili Peppers)

 


"I'm With You" de 2011, marcó un cambio importante para Red Hot Chili Peppers, fue el primer álbum lanzado después de la segunda salida del guitarrista John Frusciante, en su lugar se unio a la banda el guitarrista de respaldo de gira y protegido de Frusciante, Josh Klinghoffer. Desafortunadamente, muchos consideraron que el álbum fue una decepción, personalmente, pensé que era bastante decente, ciertamente más divertido que su inflado disco doble "Stadium Arcadium". El siguiente álbum de los Chili Peppers, "The Getaway", también marca un cambio importante para la banda: es su primer álbum sin el productor Rick Rubin, quien ha producido todos sus discos a partir de su éxito de 1991 "Blood, Sugar, Sexo, Magik." En su lugar estaría Danger Mouse, una elección interesante, porque el trabajo de Danger Mouse ha sido muy interesante para mí, ha sido responsable de uno de mis álbumes favoritos "Demon Days" de Gorillaz. Resulta que en "The Getaway" lo que la banda hace es experimentar y hace que este álbum suene fresco, si bien el último álbum definitivamente "sonó" como un álbum de Chili Peppers, este arroja algunos cambios.

 

Comienza el álbum con The Getaway, y es un comienzo bastante decente, con riffs de guitarra apagados, pero que en el fondo se muestran interesante, he leído a algunas personas compararlo con Coldplay, de hecho, suena notablemente similar a su sencillo "Adventure of a Lifetime", especialmente en el coro. A continuación, llega el sencillo principal "Dark Necessities" que fue una elección perfecta para reintroducir a los Chili Peppers, y puedes ver por qué Danger Mouse se empeñó tanto para que este fuera el sencillo, te vuelve a conectar. La mejor línea base de Flea desde 2006 marca el comienzo de esta densa pieza musical que podría merecer una revisión propia y de Anthony Kiedis, quien suena mucho más rejuvenecido a lo largo del tema, atrae al oyente con una melodía que habría sonado como en casa en By the Way. El coro llega con un sentimiento edificante y une la canción de una manera impresionante. 

El funky "We Turn Red" es una ocasión para volver a su estilo anterior, pero con un giro: ambos tienen estribillos melódicos más lentos, después llega “The Longest Wave” y estas dos canciones juntas presentan la peor parte del álbum, el sentimentalismo es completamente exagerado. Lo más destacado del álbum, sin embargo, tiene que ser “Goodbye Angels”, es la canción, así es exactamente como suenan los Chili Peppers cuando aprovechan sus puntos fuertes. Kiedis ofrece una interpretación vocal apasionante, mientras que Klinghoffer sabiamente deja que Flea, el ladrón frecuente de espectáculos, sea la piedra de la composición para que pueda comenzar con algunas notas geniales tocadas en lo alto. Pero ni siquiera hemos tocado el final de la canción. ¡Dios mío, esta canción termina con uno de los mejores momentos musicales en la historia de Peppers! Flea arranca con un riff de bajo que haría que Les Claypool se pusiera verde de envidia y luego se lanza a un final monstruoso en llamas que no puedo describir adecuadamente sin usar un lenguaje que podrían censurar. Si no escuchas nada más de este álbum, escucha el último minuto de esta canción. Vale la pena el precio del disco completo por sí solo. "Sick Love" es otro de los sencillos interesantes, una suave balada pop que presenta a Elton John al piano, un movimiento irónico teniendo en cuenta que, como otros ya han señalado, la melodía está algo inspirada en "Bennie and the Jets".

 

"Go Robot", inspirado en Prince, es puro funk disco de los 80 y definitivamente podría ser un éxito en la era de "Get Lucky" y "Uptown Funk". Llega “Feasting on the Flowers” donde el sentimentalismo es muy exagerado, incluso en canciones más funky como la banda cede a coros accesibles y letras de cartas de amor sobre varios aspectos de la vida. "Detroit" definitivamente destaca, un tributo al estado natal de Kiedes cuyo nombre incluye a artistas como The Stooges, J Dilla y Henry Ford sobre un pesado riff al estilo Hendrix, ofrece justo ese giro de la era de los 90 que la banda necesitaba desesperadamente recuperar. Aunque algunas de las canciones pueden ir en direcciones curiosas a veces, sus mejores momentos son al menos suficientes para mantener la atención del oyente y recordarle que esta banda aún puede ser capaz de hacer grandes cosas. Otro tema defectuoso es "This Ticonderoga", la canción comienza con un furioso riff de guitarra con sonido punk que crea una de sus músicas más pesadas en años, pero la banda simplemente no parece resistirse a detener la canción en seco para poder agregar un bajo y un piano extraños y nerviosos. El otro ejemplo de canción floja es "Encore", donde Kiedes se pone nostálgico sobre las líneas melódicas de la guitarra. "The Hunter" es un tributo lento y melancólico a la paternidad, con Klinghoffer al bajo en lugar de Flea, quien en cambio toca un triste solo de trompeta. Te golpea en todos los lugares correctos. Pero aún mejor es la extensa epopeya de seis minutos "Dreams of a Samurai", una intensa meditación sobre una relación fallida, un tema que tocan muchas de estas canciones. La canción tiene una sensación más pesada y alucinante que el resto del álbum; de hecho, parece que habría encajado perfectamente en "One Hot Minute".


Si bien los fanáticos incondicionales de Peppers pueden sentirse decepcionados por la sobreabundancia de melodías más pop, no te preocupes, aquí también hay algunas cosas para ti. Pero lo que realmente se destaca son los números más experimentales del álbum, los cuales cierran el álbum. Sin embargo, no todo lo que hay en este álbum es digno de elogio. Si bien las melodías con infusión de pop melódico han sido el pan de cada día de los Chili Peppers desde finales de los 90, algunas de ellas aquí realmente no se sostienen. Dicho y hecho, este álbum puede no ser un éxito total, pero cuando lo logra puede llevarte de regreso a la cima creativa de la banda. Con las alteraciones sonoras de Danger Mouse y el continuo desarrollo de Klinghoffer hasta convertirse en un músico plenamente consumado, la banda logra dejar mucho por qué estar entusiasmado. Si bien todavía queda un camino bastante decente que la banda debe recorrer si realmente quieren regresar a las alturas de sus períodos más creativos, un álbum como The Getaway es exactamente el tipo necesario para infundir fe en el grupo una vez más. y esperar con ansias lo que liberen más adelante en el camino.

martes, 26 de marzo de 2024

1181.- Anda - Luis Eduardo Aute

 

Luis Eduardo Aute fue un artista polifacético como pocos, capaz de ponerse detrás de una cámara para rodar, pintar lienzos o enamorarnos con sus poemas, es su labor de cantautor por la cual es internacionalmente conocido. En sus propios versos, «seamos un cuerpo enamorado» derretiría al instante a su musa, su lírica es una extrasensorial experiencia. Anda" es una joya musical creada por el legendario cantautor español Luis Eduardo Aute. Esta canción, perteneciente a su álbum "Espuma" lanzado en 1974, es un magnífico ejemplo de su habilidad para combinar poesía profunda con melodías cautivadoras. Un LP en que Aute investiga en la física y en la química del amor, esa euforia que nos hace sentirnos inmortales.

Anda comienza con una introducción suave de guitarra, estableciendo una atmósfera melancólica y reflexiva, Aute, con su voz emotiva y distintiva, entra con la letra que invita a un encuentro lleno de pasión, deseo sin fin, un encuentro que todos tendríamos que tener, sin cadenas y sin trabas, simplemente el deseo de dos personas, ademas Aute teje una narrativa emocionante que evoca imágenes vívidas y sentimientos profundos, pero además la letra de "Anda" es una reflexión sobre el paso del tiempo y la inevitable marcha hacia adelante de la vida. Aute canta sobre la necesidad del amor, de entregar y entregarse, de disfrutar cada paso en el encuentro amoroso a pesar de los obstáculos y las dificultades que puedan surgir en el camino. Su voz transmite una sensación de esperanza y determinación, animando al oyente a seguir caminando a pesar de las adversidades acompañada de una melodía conmovedora, con acordes de guitarra delicadamente entrelazados que complementan a la perfección la emotividad de la letra. La música fluye con una gracia tranquila, creando un ambiente íntimo que envuelve al oyente y lo transporta a un estado de contemplación serena. La instrumentación sutil pero efectiva de la canción, que incluye cuerdas suaves y percusión discreta, añade una capa adicional de profundidad y textura a la composición, cada elemento musical se combina armoniosamente para crear una experiencia auditiva completa y conmovedora, regalándonos una canción para todas las edades y trasfondos, su mensaje atemporal y su belleza lírica la convierten en una obra maestra que sigue siendo relevante décadas después de su lanzamiento inicial.

Disfruten de "Anda" una canción excepcional que encapsula la genialidad artística de Luis Eduardo Aute, una canción que perdura como un testamento eterno del talento inigualable de uno de los más grandes cantautores de España.

lunes, 25 de marzo de 2024

1180.- Rebel Rebel - David Bowie



"Rebel Rebel" fue el single de lanzamiento del disco "Diamond Dogs" (1974) de David Bowie, publicado el 15 de Febrero de 1974 por RCA Records, con "Queen Bitch" en la cara B. El sencillo fue un gran éxito comercial, llegando al quinto puesto del chart del Reino Unido y al nº 64 del Billboard Hot 100 estadounidense, cumpliendo además su objetivo de impulsar las ventas del disco. Dos fueron las versiones que se grabaron de "Rebel Rebel", una (la más conocida) para el single del Reino Unido, y otra (más corta y con diferentes arreglos) para su publicación como sencillo en USA en Mayo de 1974, con "Lady Grinning Soul" en la cara B.

Escrita y producida por Bowie, y planeada originalmente como uno de los temas de un musical sobre Ziggy Stardust que Bowie acabó abandonando, esta canción de aire proto-punk es probablemente su canción más versionada por otros artistas a lo largo de los años, y el gran culpable de su éxito, y la base central en la que todo el tema se basa de principio a fin, es un pegadizo y stoniano riff de guitarra, que potenció sobremanera una letra considerada como uno de sus últimos himnos glam rock.

"Rebel Rebel" se grabó en una sola sesión de trabajo en los Trident Studios de Londres en las navidades de 1973. Bowie indicó a los músicos que quería que la canción sonara como los grandes temas de The Rolling Stones, e interpretó el riff al guitarrista invitado Alan Parker para que lo ensayaran juntos y le ayudara a perfeccionarlo. Parker lo tocó al completo cuando estuvo terminado, y siempre sospechó que su interpretación del riff durante aquellos ensayos fue la que acabó sonando en la canción final, pero nunca fue acreditado por, presumiblemente, haber tocado uno de los riffs más gloriosos y reconocibles de la historia del rock.

domingo, 24 de marzo de 2024

1179.- Diamond Dogs - David Bowie



"Diamond Dogs" es la canción que da título al octavo disco de estudio de David Bowie, ya sin el apoyo de su célebre banda de acompañamiento de The Spiders from Mars con la que había facturado sus mejores discos de glam rock, y aunque también produjo el álbum él mismo, contó de nuevo con la presencia de Tony Visconti para los arreglos de cuerda y para la mezcla del disco. Al no contar por primera vez con Mick Ronson, Bowie asumió la mayor parte de las guitarras del disco, practicando exhaustivamente cada día hasta llegar al nivel de calidad necesario para la grabación.

La temática apocalíptica de la canción y del disco se basa en la novela "1984" de George Orwell, las obras de Willian S. Burroughs, y un proyecto de musical basado en el personaje de Ziggy Stardust que finalmente Bowie abandonó. Dentro del universo de personajes de Bowie, en "Diamond Dogs" aparece un nuevo alter ego llamado "Halloween Jack", "un gato molón" que lidera a los "perros diamante", una banda de niños salvajes que acampan en los tejados de los rascacielos, con la estética y la actitud que adoptaron grupos punk posteriores como The Sex Pistols, y de hecho Bowie los describió como "pequeños Johnny Rottens y Sid Vicious, pandillas de viciosos encapuchados, con cuchillos y pieles, flacos por no comer suficiente, y con el pelo de colores divertidos".

Publicada en junio de 1974 como segundo single del álbum tras "Rebel Rebel", con una regrabación del tema de 1971 "Holy Holy" en la cara B, fue el single de menos éxito del disco al alcanzar solo el puesto 21 de la lista de ventas del Reino Unido, y no lograr entrar en las listas del Billboard estadounidense. Este pequeño traspiés de los "perros diamante" no le quita relevancia a una canción que está entre las más imaginativas y extrañas del universo creativo del gran David Bowie.

Red Hot Chili Peppers - Stadium Arcadium (Mes Red Hot Chili Peppers)



"Stadium Arcadium" (2006) es el noveno álbum de estudio de los Red Hot Chili Peppers, publicado por la discográfica Warner Bros Records, y el último antes de la marcha del guitarrista John Frusciante, que dejó la banda en 2009, aunque acabaría regresando diez años después. Tras el éxito del disco "By the way" (2002) y la publicación de la recopilación "Greatest Hits" (2003), en 2004 los Red Hot Chili Peppers se reunieron para grabar material para un nuevo disco, que en principio querían que fuera una "obra de arte pequeña y digerible" al estilo de discos como el Meet The Beatles!, con no más de 12 canciones y en un tono más tranquilo del habitual.

Sin embargo, y fruto del buen rollo y la compenetración de todos los miembros del grupo durante las sesiones en "The Mansion" (una casa en la que había vivido Harry Houdini y en la que ya habían grabado en 1991 el mítico "Blood Sugar Sex Magik"), grabaron junto al productor Rick Rubin un total de 38 canciones. Con tanto material, planearon lanzar una trilogía de álbumes que se irían publicando con un margen de solo seis meses de diferencia, pero finalmente abandonaron esa idea y se decantaron por publicar un extenso álbum en formato de doble CD con 28 canciones, destinando las restantes a las caras B de los cinco singles que se extrajeron del disco. Con tantas canciones, es el disco de Red Hot Chili Peppers que más variedad de estilos ofrece, y aunque en general recibió buenas críticas, el entusiasmo fue mayor entre los nuevos seguidores, que lo consideraron el mejor disco de la banda y alabaron la versatilidad y los nuevos rumbos musicales, mientras los seguidores más antiguos lo consideraron demasiado relajado para ser un álbum de Red Hot Chili Peppers.

El primer disco (denominado "Júpiter") comienza con uno de los singles principales, "Dani California", un tema que ya es un clásico de su discografía, construida a partir de un ritmo que recuerda al “Sweet Home Alabama” de Lynyrd Skynyrd, y una melodía cercana al “Mary Jane’s Last Dance” de Tom Petty, pero creando con la extraña mezcla un tema que en su conjunto es puro Red Hot Chili Peppers. Le sigue "Snow (Hey Oh)", que también fue publicada como single, y que es un buen ejemplo del tipo de música relajada con el que estaban experimentando, con un tono más pausado y un cálido y agradable estribillo.

El rítmico funk típico de la banda vuelve en “Charlie”, aunque algo más melódico que en discos anteriores, y marca la transición entre los primeros temas y la canción titular "Stadium Arcadium", melódica y evocadora canción en la que la voz de Kiedis y la guitarra de Frusciante tienen una delicadeza especial. Es una de las canciones que mejor plasma y representa el cambio y el sonido que buscaban para este disco, aunque para los singles se decantaran por canciones de línea pegadiza y funk como "Hump de Bump", en la que la guitarra funk de Frusciante brilla por sí sola. Otros temas reseñables del primer disco serían “Torture Me”, con impactantes arreglos de viento y con Flea dando una auténtica lección de ritmo con el bajo y "Especially in Michigan" con Kiedis regalando una intensa interpretación vocal, y la dupla John Frusciante - Omar Rodríguez (de Mars Volta) arropándole con generosas guitarras.

De "Júpiter" volamos a Marte ("Mars") en el segundo disco, que comienza con "Desecration Smile" otro de los singles del disco y que, junto con la ya mencionada "Hump de Bump" se remonta a las sesiones del recopilatorio de "Greatest hits", quizá pensadas ambas como temas inéditos para aquel disco, pero que finalmente terminaron en "Stadium Arcadium". Le sigue "Tell me baby" que también fue publicada como single, y aunque hay que decir que en Marte la atmósfera en conjunto no es tan brillante como lo fue en Júpiter, en el planeta rojo encontramos también momentos destacables en el funk de "21st Century", el pop amable de "She Looks to Me", los riffs "zeppelianos" de la rockera "Readymade" o el pop rock pegadizo de "Make You Feel Better".

Todo termina con la "muerte de un marciano" ("Death of a martian"), destacable solo por la conexión entre el título del disco y el de la canción, pero tanto su temática como sus espaciales teclados de videojuego vintage son perfectos para cerrar el más marciano y psicodélico de los discos de Red Hot Chili Peppers, una obra heterogénea y compleja que entró directamente al primer puesto del Billboard 200 en el momento de su lanzamiento, y se hizo con cinco premios Grammy en 2007, incluyendo el de Mejor Canción de Rock ("Dani California") y Mejor Álbum de Rock. Un disco así merecía un sitio destacado en el #MesRedHotChiliPeppers de 7días7notas.

sábado, 23 de marzo de 2024

1178.- Tattler - Ry Cooder

 

Tattler, Ry Cooder


     Paradise and Lunch es el cuarto álbum de estudio del músico de raíces estadounidense Ry Cooder. Fue grabado en los Warner Brothers Studios de North Hollywood y los CA and The Burbank Studios de Burbank, Los Angeles, bajo la producción de Russ Titelman y Lenny Waronker, y publicado en junio de 1974 por el ello discográfico Reprise Records. Este trabajo contenía versiones de jazz, blues y estándares de música de raíces americana. El disco llegó a alcanzar el puesto 167 en la lista estadounidense Billboard 200.

Incluido en este álbum se encuentra Tattler, un arreglo de Ry Cooder junto con Russ Titelman del clásico You Can't Stop a Tattler. Este clásico es una canción de blues - gospel que fue escrita por Washington Phillips (1880-1954) y fue grabada por él en 1929 para el sello discográfico Columbia records. La canción original constaba de dos partes, destinadas a ocupar ambas caras de un vinilo de 10 pulgadas y 78 rpm. Sin embargo, permaneció inédito durante muchos años. Estamos ante una canción rara e inusual porque los versos están separados por un estribillo tarareado sin palabras. Este recurso, similar a la vocalización, ya lo había utilizado anteriormente Phillips en la canción I Had a Good Father and Mother (1929).

La canción llamó la atención por primera vez cuando Ry Cooder incluyó una versión de la parte 2, titulada Tattler, en el álbum Paradise and Lunch. La versión de Cooder es relajada y conmovedora, típica del estilo de blues y folk que lo caracteriza. La letra de la canción narra la historia de alguien que traiciona la confianza de un amigo al revelar secretos a su pareja, lo que provoca problemas en su relación. La música acompaña perfectamente con su relajado ritmo y una melodía que transmite la sensación de arrepentimiento, y la interpretación vocal de Cooder agrega profundidad emocional a la canción.

viernes, 22 de marzo de 2024

Disco de la semana 369: Not Fragile - Bachman -Turner Overdirve

 

Not Fragile, Bachman - Turner Overdrive


     Bachman-Turner Overdrive, también conocida como BTO, es una banda de rock canadiense funada por los hermanos Randy, Robbie y Tim Bachman, y por Fred Turner. Su catálogo de la década de 1970 incluy siete álbumes entre los 40 primeros en las listas de ventas y  11 sencillos entre los 40 primeros en Canadá. Tuvieron un importante éxito durante esa década tanto en Canadá como en Estados Unidos, y durante su historia han logrado vender casi 30 millones de álbumes en todo el mundo.

La formación original estaba formada por Randy Bachma (guitarra principal y voz), Fred Turner (bajo y voz), Tim Bachman (guitarra y voz) y Robbie Bachman (batería, prcusión, coros). Esta formación lanzó do álbumes en 1973. La segunda formación, la de mayor éxito, incluía a Blair Thornton (guitarra solista) en lugar de Tim Bachman. Esta segunda formación lanzó Not Fragile, el tercer álbum de la banda. fue grabado en 1974 en los Kaye-Smith Studios de Seattle, Washington, y en los Sound City Studios de Van Nuys, Los angeles, bajo la producción de Randy Bachman, y publicado en agosto de 1974 por el sello discográfico Mercury Records. Resultó ser el álbum de estudio más popular del grupo y llegó a alcanzar el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard 200.

En cuanto al título del álbum, Randy Bachman afirmó en una entrevista que usar la palabra "Fragil" como título para un álbum de rock, como había hecho el grupo Yes con su disco Fragil de 1971, era extraño, y pensó que la música de BTO no se podía romper, por lo que, sin pretener faltar el respeto en absoluto a Yes, la banda llamó irónicamente a su álbum Not Fragile. El disco marca el debut del guitarrista Blair Thornton, quien, a diferencia de su predecesor Tim Bachman, aparece en los créditos del ábum como "segunda guitarra solista", lo que va marcar una de las caracteríticas de este trabajo, el sonido de las Twin guitars o guitarras gemelas. 

Not Fragile contiene varios temas que se han convertido en himnos, canciones de las más queridas de la banda por parte de sus fans. Roll On Down theHighway y You Ain't Seen Nothing Yet fueron sencillos que alcanzaron un gran éxito, y varios cortes más del álbm alcanzaron una siginificativa difusión por parte de las emisoras de rock.



Estamos ante un gran trabajo, compacto y homogéneo, y de sus 9 canciones, de las cuales no sobra ninguna de ellas, rápidamente se hicieron un hueco en las ondas radiofónicas Not Fragile, canción que da título y abre además el disco. Con un poderoso ritmo y unos contundene riffs de guitarra, empiezan a transmitirnos, desde el primer momento, una energía arrolladora que ya no nos va abandonar hasta el final; Roll on Down the Highway, con una letra que Not Fragile demuestra que BTO está en su mejor momento, tanto en términos de compsoción como de interpretación. Estamos ante un trabajo grabado y mezclado con mucha calidad, sin apenas fisuras. La batería es clara pero no tan promiente como para dominar la grabción, mientras que las guitarras, junto al bajo, se mantienen en su lugar correcto, perfectamente acopladas. Todo esto, sumado al excelente trabajo vocal de Randy Bachman, convierten este trabajo n uno de los mejores álbum de arena rock de la década de los 70. Randy Bachman ha definido Not Fragilecomo el "logro supremo" de la banda, afirmanado: "Not Fragile fue cuando todo saió bien para nosotros. Capturamos a la audiencia de rock orentada al álbum, así como a la audiencia de sencillos con ente álbum. Not fragile hizo que BTO fuera reconocido en todo el mundo". Not Fragile demuestra que BTO está en su mejor momento, tanto en términos de compsoción como de interpretación. Estamos ante un trabajo grabado y mezclado con mucha calidad, sin apenas fisuras. La batería es clara pero no tan promiente como para dominar la grabción, mientras que las guitarras, junto al bajo, se mantienen en su lugar correcto, perfectamente acopladas. Todo esto, sumado al excelente trabajo vocal de Randy Bachman, convierten este trabajo n uno de los mejores álbum de arena rock de la década de los 70. Randy Bachman ha definido Not Fragilecomo el "logro supremo" de la banda, afirmanado: "Not Fragile fue cuando todo saió bien para nosotros. Capturamos a la audiencia de rock orentada al álbum, así como a la audiencia de sencillos con ente álbum. Not fragile hizo que BTO fuera reconocido en todo el mundo". evoca la sensación de libertad que se experimenta al conducir por la carretera con la música a todo volumen y sin preocupaciones. La letra trata sobre un camionero haciendo un transporte, y fue aporvechada por la fascinación que había en la década de los 70 por la cultura camionera. El grupo Ford había contratado originalmente a Turner y Randy Bachman para escribir una anción para los comericales de la compañía, pero Ford nunca usó de sus composiciones. Esta canción fue resctada de aquellas composiciones para la compañía; You Ain't Seen Nothing Yet, es, junto el tema anterior, la canción más famosa del álbum, y uno de los mayores éxtios de la banda. Esta es una de las canciones más famosas que contienen un prominente tartamudeo. BTO no planeaba lanzar esta canción con la voz tartamuda. Randy la cantó tartamudeando para burlarse de su hermano Gary, que teníaun impedimento en el habla. Durante las comprobaciones de micrófono, la cantó tartamudeando y grabó una versión destinada únicamente a su hermano Gary. La canión no iba a ser incluida, ni mucho menos, pero a la disgoráfca le gustó mucho más que la versión sin tartamudeo, y fue incluída en el disco; y Free Wheelin, que es la úncia canción instrumental en la discografía dela banda, y fue escrita por el guitarrista Blair Thornton como una dedicatoria y tirbuto al fallecido guitarrista duane Allman del grupo The Allman Brothers Band. 

Not Fragile demuestra que BTO está en su mejor momento, tanto en términos de compsoción como de interpretación. Estamos ante un trabajo grabado y mezclado con mucha calidad, sin apenas fisuras. La batería es clara pero no tan promiente como para dominar la grabción, mientras que las guitarras, junto al bajo, se mantienen en su lugar correcto, perfectamente acopladas. Todo esto, sumado al excelente trabajo vocal de Randy Bachman, convierten este trabajo n uno de los mejores álbum de arena rock de la década de los 70. Randy Bachman ha definido Not Fragilecomo el "logro supremo" de la banda, afirmanado: "Not Fragile fue cuando todo saió bien para nosotros. Capturamos a la audiencia de rock orentada al álbum, así como a la audiencia de sencillos con ente álbum. Not fragile hizo que BTO fuera reconocido en todo el mundo". 

1177.- The Wall Street Shuffle - 10cc



10cc es una banda británica de rock formada en Stockport en 1972 por cuatro músicos multi instrumentistas (Graham Gouldman, Eric Stewart, Kevin Godley y Lol Creme) que se repartían en dos parejas a la hora de componer las canciones. Stewart y Gouldman componían básicamente canciones pop y crearon la mayoría de éxitos de la banda (incluyendo "The Wall Street Shuffle"), y por el contrario Godley y Creme se decantaba por composiciones más experimentales e influenciadas por corrientes artísticas y cinematográficas.

El álbum "Sheet Music" (1974) fue el primero de cinco discos con los que 10cc entraron en el top 10 de las listas de ventas del Reino Unido. El single de lanzamiento fue "The Worst Band in the World", que no logró entrar en las listas, pero con el segundo single "The Wall Street Shuffle" lograron llegar al puesto 10 en Reino Unido y ser nº 2 de ventas en Países Bajos. Un tercer single, "Silly Love" fue también publicado, pero solo llegó al puesto 24 en UK, lo que hizo de "The Wall Street Shuffle" la canción más reconocida y exitosa del disco.

"The Wall Street Shuffle" era además la canción con la que arrancaba el álbum, con un distintivo riff de rock clásico y unas letras poco habituales en el rock, ya que básicamente describían el mundo de las finanzas en Wall Street, mencionando por el camino a personajes como Getty, Rothschild y Howard Hughes, en una extraña combinación que la revista musical "Record World" denominó "lección de baile económico".

jueves, 21 de marzo de 2024

1176.- The Bottle - Gil Scott Heron

 

The Bottle, Gil Scott Heron

 


       Winter in America es un álbum que Gil Scott Heron grabó con la colaboración del teclista Brian Jackson. Fue grabado entre septiembre y octubre de 1973 en los D&B Sound Studios de Silver Spring, Maryland, Estados Unidos, bajo la producción de los dos músicos, y publicado en mayo de 1974 bajo el sello discográfico Strata-East Records. Scott Heron y Jackson produjeron el disco de forma sencilla, basándose en sonidos tradicionales africanos y R&B, mientras que los arreglos de piano de Jackson tenían sus raíces en el jaz y el blues..

El álbum fue el debut de los dos músicos para el sello discográfico Strata-East, sello independiente de jazz, tras su salida por una disputa con su antiguo sello discográfico. Tuvo una distribución bastante limitada en Estados Unidos, sin embargo Scott Heron, con la ayuda promocional de su único sencillo, The Bottle, consiguió tener un considerable éxito comercial, mayor incluso que su trabajo anterior con Jackson, llegando a ocupar el puesto número seis de la lista estadounidense Billboard Top Jazz Album. El sonido característico de este álbum tiene su raíces en el blues, el jazz y la música soul, incorporando también elementos de la música africana, como la percusión pesada y los cánticos. También incorporaron escenografías, introducciones de palabras habladas e interludios místicos que fueron influenciados por los estilos de free jazz de artistas contemporáneos como Pharoah Sanders y Abdullah Ibrahim

Winter in America aborda las experiencias y los desafíos que enfrentaron a la comunidad afroamericana y los residentes de la ciudad de Washington en la década de los años 70, como es el caso de su canción The Bottle, escrita por Scott Heron, toda una crítica social sobre el abuso del alcohol. La canción tiene un agradable ritmo caribeño y presenta un gran solo de flauta de Jackson. Scott Heron analizaba el poder destructivo de la adicción y como puede arruinar la vida de las personas, y se inspiró para escribirla al observar y hablar con alcohólicos en la puerta de una licorería llamada Log Cabin en el norte de Virginia, cerca de Wshington DC, donde todos los días hacían cola para cambiar sus botellas vacías por un descuento en su próxima compra. Fue lanzada como sencillo, y gracias a su contagioso ritmo pop/dance y su mensaje social se convirtió rápidamente en un éxito y en uncanción de culto.

miércoles, 20 de marzo de 2024

1175.- This town ain't big enought for both of us - Sparks

Los hermanos Mael formaron el núcleo de los Sparks, el más joven, Russel, un andrógino de aspecto decadente que cantaba con todo su corazón mientras su hermano mayor, Ron, simplemente se posicionaba detrás de un teclado, el estilo era un poco frenético y excéntrico, casi Roxy Music, si hay que hacer comparaciones, de todos modos, los hermanos tuvieron un par de éxitos más, terminando sus apariciones en las listas en 1979 después de una carrera algo rejuvenecida en la música disco. Inicialmente la banda se llamaba Halfnelson, los Sparks se centraron en un estilo musical excéntrico y escandaloso. Halfnelson (Bearsville, 1971), reeditado como Sparks (Bearsville, 1972), está más influenciado por Todd Rundgren ( Wonder Girl ) y los primeros Brian Eno que por Marc Bolan o David Bowie.

La música de Sparks es un music-hall futurista que toma prestado del pop, el soul, el hard-rock y el rock progresivo. Su sentido del humor dadaísta alcanzó la madurez en A Woofer In Tweeter's Clothing (Bearsville, 1972 - Wounded Bird, 2006). El espantoso falsete de Russell, las melodías triviales y los grotescos arreglos le daban un aire de ópera rock disfrazada. Los hermanos se mudaron a Londres y reformaron Sparks con una nueva formación, Kimono My House (Island, 1974) toma prestados elementos del hard-rock y el tecno-rock, pero, sobre todo, se centra en las melodías (y una es verdaderamente memorable, y es realmente memorable la canción de la que vamos a hablar). En la presentación de Top Of The Pops de Sparks , Russell Mael, doble de Marc Bolan, bailó tocando notas tremendamente altas, mientras su hermano, Ron Mael, se sentaba de los teclados, lanzando miradas escalofriantes. John Lennon bromeó sobre Ron Mael cuando vio actuar a Sparks: "Es Hitler en la tele". La canción se convirtió en un éxito después de esa aparición, que se retrasó dos semanas ya que los hermanos Mael tuvieron que inscribirse en el Sindicato de Músicos Británicos antes de poder actuar en el programa.

'This Town Ain't Big Enough for Both of Us' es fácilmente la canción más conocida de este peculiar grupo de art-pop liderado por los excéntricos hermanos Mael de Los Ángeles. No sé si se puede describir como progresivo, al menos en el sentido habitual, pero hace que la mayoría de la música de sus contemporáneos británicos QUEEN suene aburrida en comparación, de alguna manera parecían estar muchos años adelantados a su tiempo. Esta canción rápida, frenética y muy nerviosa con voces teatralmente altas es como un pimiento turco: no deja a nadie frío, pero no necesariamente te hace querer más. Hay algo vagamente amateur en la grabación, no en la canción o la interpretación, que son de primera, sino en la producción/mezcla, algunas partes se notan un poco más flojas de lo que deberían ser y, a veces, la guitarra suena un poco endeble. Sin embargo, esto no es del todo malo: estos aspectos le dan a la canción un poco de encanto. Pero supongo que sigo escuchando esta canción como un número "no del todo Queen", a pesar de que es casi contemporáneo y en realidad es anterior a las producciones densamente estratificadas de Queen. 


Red Hot Chili Peppers - By the Way (Mes Red Hot Chili Peppers)

 

By the Way, Red Hot Chili Peppers


By the Way es el octavo álbum de estudio de la banda estadounidense Red Hot Chili Peppers. Estamos ante un canto a la vida y al amor, todo un ejercicio optimista de un renacido Frusciante que por fín había visto la luz después de sus adicciones. Se notaba que la alegría había vuelto en el seno de la banda. Fue grabado entre noviembre de 2001 y mayo de 2002 en Los Angeles, California, bajo la producción de Rick Rubin, y publicado el 9 de julio de 2002 por el sello discográfico Warner Bros. Records. Fue un éxito rotundo desde el primer momento, pues ya en la primera semana había vendido más de 285.000 copias, y llegó a alcanzar el puesto número 2 en la lista estadounidense Billboard 200.

By the Way supuso una desviación sobre el sonido y estilo de la banda en discos anteriores debido a los tenues y melódicos sonidos transmitidos por la banda en este álbum. John Frusciante escribió la mayoría de las melodías del disco, arreglos vocales, líneas de bajo y progresiones de guitarra, lo que cambió la dirección de la grabación, y Kiedis adoptó un enfoque más sincero y reflexivo en las letras de este trabajo. Por otro lado, la banda sacrificó ese sonido fusionado de funk y metal, una de sus grandes señas de identidad. 



La preparación del álbum comenzó justo después de la finalización de la gira mundial de Californication en la primavera del año 2001, y gran parte del trabajo se realizó en las casas de los miembros de la banda y en estudios de grabación. Frusciante y Kiedis colaboraron durante días, discutiendo progresiones de guitarra y compartiendo letras, algo que valoraba muy positivamente Kiedis: "escribir las canciones fue una experiencia completamente diferente a Californication. John volvió a ser el mismo y rebosaba confianza". El elegido para la producción fue finalmente Rick Rubin, pues era una persona que solía dejar espacio y libertad creativa, y eso era esencial para el grupo. En cuanto al álbum, Frusciante tenía la intención de que tuviera dos tipos diferentes de canciones, unas que sonaran más "inglesas" y melódicas, y otras que estuvieran más influenciadas por el punk rock. El productor Rubin no estaba familiarizado ni con las bandas ni con el sonido punk rock, y pensó que las canciones melódicas eran originales y más emocionantes por lo que se acabó apostando por el material más melódico en este trabajo. 

Por otro lado, Flea quería que la banda volviera a su anterior sonido influenciado por el funk, y Frusciante pensaba que ya habían explorado a fondo el funk y estaba más interesado en crear algo nuevo para el grupo. Esto empezó a alejar a Flea, quien pensó que su voz no era escuchada y consideró muy en serio el hecho de dejar la banda. El conjunto de guitarra y bajo fue dictado principalmente por Frusciante y el disco tomó una dirección diferente a cualquier álbum anterior, pues Frusciante había buscado crear un paisaje sonoro emociona y conmovedor a lo largo de las grabaciones. Ante todo esto, Flea consideraba que no tenía nada que ofrecer. Frusciante no tenía idea de como se sentía Flea y no tenía intención de hacerse cargo ni de dejar que se marchara, por lo que finalmente se juntaron para resolver sus diferencias, ayudados los dos por el ejercicio de la meditación. En cuanto a las letras, Kiedis mostró las influencia que tenía en aquel momento por el amor, su novia y las emociones que se expresan cuando uno se enamora. Las drogas también tuvieron su espacio en las letras, sus relaciones con ellas, los efectos nocivos que estos le provocaron, el peligro constante de una recaída, y el recuerdo de su amigo y fundador del grupo, el guitarrista Hillel Slovak



Entramos en materia, la cual comienza con el tema que da título al álbum, By the Way, donde gran parte de la letra se basa en un divertido juego de palabras de Anthony Kiedis. También hace mención a una chica llamada Dani, que también había aparecido en el álbum Californication (1999). Sobre la citada chica, Kiedis afirmaba que era una representación de cada chica con la que se había cruzado en la vida. En cuanto a la música, se utilizaron varios dispositivos para alterar secuencias de guitarra y voz. Universally Speaking es una de las que abordan las drogas, concretamente el consumo de heroína. Se grabó un vídeo de esta canción donde se muestra a un taxista recorriendo un largo camino hasta llegar a un concierto de Red hot Chili Peppers solo para darle Kiedis una revista que dejó olvidada en el taxi. This Is the Place aborda la adicción a las drogas de Kiedis y menciona las calles donde solía ir a conseguirlas. También hace referencia en la letra a Hillel Slovak: "El día en que murió mi mejor amigo". Dosed, a través de la temática del muerte y la pérdida de alguien cercano a tí, es todo un tributo a Hilll slovak. Don't Forget Me sigue la temática de las canciones anteriores, la adicción a las drogas, en este caso del vocalista Kiedis, donde habla de su rehabilitación y de cómo estuvo encerrado en una celda durante dos semanas para superarlas. En la canción se usó un mellotron, un pedal wah y técnicas de eco para transmitir una atmósfera emotiva. The Zephyr Song emana una ligera ráfaga de aire cálido. Kiedis evoca con sus letras el cortejo a una hermosa chica y le pide que se "vaya volando" con él para ser siempre feliz. Puede que la canción se refiera en parte a una de sus ex novias, la cual solía tomar cocaína con él, y de la euforia que sentían cuando estaban juntos y consumían. la letra de Can't Stop se escribió en torno a la música ya compuesta, y es una colección de pensamientos un tanto aleatoria, con algunas rimas creativas para adaptarse al ritmo de la canción. Esta canción anima al oyente a vivir con pasión e individualidad, algo que los Red Hot Chili Peppers han hecho durante toda su carrera. Es una de las canciones, junto a By the Way, donde el grupo vuelve a su famoso estilo basado en el funk, con versos cortos y rapeados. El vídeo musical que se hizo de esta canción se inspiró en las obras del artista austriaco Erwin Wurm llamadas "One Minute Sculptures", las cuales son una serie de esculturas realizadas de una manera muy creativa, utilizando e cuerpo humano como parte de la composición. I Could Die for You trata sobre el amor verdadero de una persona, tan apasionado que es capaz de arriesgar su propia vida por la otra persona a la que ama. Kiedis la escribió para su novia en aquel momento.



Abre la cara B Midnight, una atmosférica pista con sonidos etéreos y ambientales que sirve como interludio entre canciones. Throw Away Your Television, con su ritmo funky, critica la influencia negativa de los medios de comunicación en la sociedad. Muy destacable la línea de bajo funky de Flea en una canción que se asoma al rock experimental gracias al uso de la distorsión en todo el verso y el estribillo. El título Cabron se inspiró precisamente en la palabra española, y en la letra abordan el hecho de tener una relación en un barrio controlado por pandillas. Es la única pista del álbum que se reproduce de forma completamente acústica. Frusciante afirmaba que para las partes de guitarra se inspiró en la forma en que el guitarrista Martin Barre tocaba en el disco Aqualung de Jethro Tull, y las partes de Kiedis y Smith contribuyeron a darle un toque latino. Tear es una emotiva balada donde Kiedis nos expresa sentimientos de dolor y deseo de sanación. Musicalmente la canción se basa más en el teclado que en el bajo o la guitarras. On Mercury es una enérgica canción con un fulgurante ritmo y unas surrealistas letras que evocan imágenes de viajes intergalácticos. Minor Thing es todo un alegato, una oda a la vida. Con su ritmo funky la letras reflexionan sobre la naturaleza efímera de la vida y la importancia de vivir en el momento presente. Warm Tape es una canción atmosférica con elementos electrónicos y letras introspectivas que exploran temas como la autoaceptación y la transformación personal. Venice Queen es la canción que cierra el álbum. Kiedis escribió la canción sobre Gloria Scott, una famosa consejera sobre drogas que trabajaba en Cri-Help en North Hollywood, California, y que vivió en Venecia. Gloria, con su trabajo en Cri-Help, ayudó durante su vida a miles de personas a recuperarse de la adicción a las drogas. Gloria falleció de cáncer, y ella y Kiedis se hicieron amigos mientras el era adicto y se recuperaba de su adicciones.

By the Way fue un gran éxito comercial, alcanzando el puesto número dos en la lista estadounidense Billboard 200. el disco marcó un cambio en el sonido de Red Hot Chili Peppers hacia un enfoque más melódico y experimental, alejándose del funk rock que caracterizaba sus trabajos anteriores, incorporando una variedad de estilos musicales, como el pop, el rock alternativo o el punk, lo que mostró su versatilidad y madurez como músicos. Las letras eran más introspectivas y reflexivas, abordando temas como el amor, la pérdida, la redención, la adicción y la autoaceptación. Todo esto hizo que el disco tuviera un impacto muy significativo, consolidando al grupo como uno de los más importantes, en aquel momento, de la escena del rock alternativo de la época.

martes, 19 de marzo de 2024

1174 - Lynyrd Skynyrd - Call Me the Breeze


1174 - Lynyrd Skynyrd - Call Me the Breeze

Lynyrd Skynyrd, una icónica banda de rock sureño, ha dejado una huella indeleble en la historia de la música con su distintivo sonido caracterizado por guitarras potentes y letras con raíces sureñas. Fundada en 1964 en Jacksonville, Florida, la banda alcanzó la cima de su popularidad en la década de 1970. Entre sus numerosos éxitos, "Call Me the Breeze" destaca como una joya en su repertorio.

La canción, lanzada en 1974 como parte del álbum "Second Helping", destila la esencia del rock sureño con su ritmo animado y la inconfundible voz de Ronnie Van Zant. La introducción de la guitarra de Allen Collins establece el tono enérgico, mientras que la fusión de los riffs de guitarra y el teclado crea una experiencia auditiva única.

"Call Me the Breeze" es una oda a la libertad y la independencia. La letra, escrita por J.J. Cale, narra la historia de un alma errante que no se deja atrapar por compromisos. La metáfora del viento, presente en la frase "Call me the breeze, I keep blowin' down the road," sugiere una vida nómada y sin ataduras. La canción captura el espíritu de la época y refleja la actitud despreocupada de la cultura del sur de Estados Unidos.

La habilidad distintiva de Lynyrd Skynyrd para combinar letras evocadoras con arreglos musicales magistrales se manifiesta plenamente en "Call Me the Breeze". La voz cruda y apasionada de Van Zant agrega autenticidad a la narrativa, mientras que la fusión de guitarras eléctricas y acústicas crea una textura sonora que es tan apreciada por los aficionados al rock.

La canción también destaca por su solidez compositiva y ejecución técnica. Los solos de guitarra, en particular, destacan la destreza de los guitarristas de la banda, con riffs que se entrelazan de manera fluida y memorable. La producción cuidadosa contribuye a la atemporalidad de "Call Me the Breeze", que ha resistido la prueba del tiempo y sigue siendo una pieza central en la narrativa del rock sureño.

En resumen, Lynyrd Skynyrd y su interpretación de "Call Me the Breeze" son testamentos duraderos del poder del rock sureño. La canción encapsula la esencia de una era y la actitud indomable de aquellos que buscan la libertad en la carretera. A medida que el tiempo avanza, la música de Lynyrd Skynyrd, y en particular "Call Me the Breeze", sigue siendo un faro que ilumina la rica tradición del rock sureño.

Daniel 
Instagram storyboy 

lunes, 18 de marzo de 2024

1173.- The Ballad of Curtis Loew - Lynyrd Skynyrd

Escrita por Allen Collins y Ronnie Van Zant, “The Ballad of Curtis Loew” fue grabada por Skynyrd y lanzada en su álbum de 1974 Second Helping, cuando una canción está en el mismo disco con "Sweet Home Alabama" (el sencillo más exitoso del grupo), "I Need You", "Don't Ask Me No questions", "Working for MCA" y "Swamp Music", y puede ser que para el amante de la música media haya pasado desapercibida, pero estamos ante una de las grandes canciones del grupo sureño. Una canción de recuerdo y celebración coescrita por Ronnie Van Zant y Allen Collins, pero claramente expresada desde la perspectiva lírica de Ronnie Van Zant de un joven que se centra en la profunda influencia del mítico Curtis Loew que ejerce su conciencia musical. Sin embargo, dentro de ese marco, la canción puede escucharse simultáneamente como un comentario filosófico y social más amplio sobre el desprecio y la amnesia inherentes a una conciencia nacional blanca y sureña blanca, una mentalidad marcada por la negativa a reconocer y celebrar el entrelazamiento entre la negritud y la música sureña.

La canción cuenta la historia de un niño (“tal vez tenía diez años”) que busca botellas de refresco vacias para poder venderlas en una tienda del país y darle el dinero a un hombre negro llamado Curtis Loew, quien lo usa para comprar el vino. Curtis bebe mientras toca canciones de blues para el niño con su vieja guitarra Dobro. En el catálogo de la espesa y agitada música pantanosa de Lynyrd Skynyrd, “The Ballad of Curtis Loew” se distingue un poco por su sonido relajado, casi quejumbroso, inicialmente formado a través de los deslizantes y alargados licks de guitarra y los tonos relativamente suaves, pero aún ásperos de Ronnie Van Zant. Los sonidos de la balada reflejan a la perfección la historia que se cuenta, aumentando suavemente en intensidad a través de cuartetas medidas que puntúan los recuerdos del niño sobre Curtis, y finalmente aterrizan en uno de los pareados más intrigantes de la canción, que sugiere la indivisibilidad del blues y la vida de Curtis Loew: "Vivió toda su vida tocando blues del hombre negro / Y el día que perdió la vida, es todo lo que tenía que perder". El coro condensa claramente el núcleo narrativo de la canción: el profundo deseo del niño de escuchar y aprender de las manos y los pies de Curtis Loew, y su crítica a aquellos que llaman a Curtis Loew “inútil” y no logran ver la brillantez de su maestría musical. Escuchar esta balada, que se ubica en el punto medio de un álbum donde encontramos su canción más reconocible “Sweet Home Alabama”.

Según Gene Odom, viejo amigo del líder y biógrafo de la banda, la canción se inspiró en los recuerdos de Van Zant cuando aprendió a tocar la guitarra bajo la influencia del dueño de una tienda de comestibles con talento musical llamado Claude Hamner. Odom, que ha escrito extensamente sobre los contextos de fondo que influyen en “Curtis Loew”, señala las formas en que la canción se extiende más allá de la simple conmemoración de las influencias musicales de Hamner y Medlocke para reflejar el deseo de Van Zant de crear una combinación para rendir homenaje a los "muchos artistas talentosos de blues [que] nunca habían tenido las oportunidades que él tuvo, simplemente porque eran negros". Van Zant tenía claro que tanto las raíces del blues como la del Southern Rock estaba anclado en la cultura sonora negra, y que su balada podría servir como reprimenda para aquellos que ignoran este hecho. Un accidente aéreo en octubre de 1977 cerca de Gillsburg, Mississippi, se cobraría la vida de Ronnie Van Zant, el guitarrista Steve Gaines y la vocalista Cassie Gaines, junto con el piloto y el copiloto, lo que obligó a los miembros supervivientes del grupo a tomar una pausa de una década, nunca sabremos el punto de vista de Van Zant sobre esta teoría, pero escuchar atentamente la balada y examinar sus implicaciones obvias y más efímeras proporciona algunas pistas que podrían ayudarnos.


domingo, 17 de marzo de 2024

1172.- The Needle and the Spoon - Lynyrd Skynyrd

 

The Needle and the Spoon, Lynyrd Skynyrd


     Second Helping es el segundo álbum de estudio de la banda estadounidense Lynyrd skynyrd. Fue grabado entre junio de 1973 y enero de 1974 entre los Studio One de Doraville, Georgia y los Record Plant Studios de Los Angeles, California, bajo la producción de Al Kooper y publicado eel 15 de abril de 1974 por el sello discográfico Sound of The South, subsidiario de MCA Records. Este disco consiguió situarse en el puesto número 12 en las listas de ventas estadounidenses Billboard, llegando a conseguir ese mismo año la certificación de Oro gracias a sus ventas.

Después del éxito de su disco debut, la fama y los seguidores de Lynyrd Skynyrd crecían rápidamente, ayudados en parte a la gira de acompañamiento como teloneros de la banda The Who que estaban realizando en Estados Unidos. Sin embargo, las sesiones de preparación de Second Helping fueron bastante difíciles, con constantes discusiones y trifulcas entre el grupo y el productor neoyorquino Al Kooper. El mismo Al Kooper reconocía al respecto que "Fue una pesadilla trabajar con ellos, pero supongo que a ellos les debió suceder lo mismo".

Incluido en este álbum se encuentra la canción The Needle and the Spoon, donde Ronni Van Zant advertía sobre los peligros de las drogas duras, de las que la banda era incapaz de tomar nota debido a su consumo. La canción fue escrita por el vocalista Ronnie Van Zant y el guitarrista Allen Collins y abordaba el tema de la adicción a las drogas y sus devastadoras consecuencias. El título de la canción hace referencia a la jeringa y la cuchara, herramientas comunes asociadas con el consumo de heroína, y a través de su letra Van Zant reflexiona sobre las trampas y los peligros del abuso de sustancias, así como las luchas personales y sociales que conlleva. Musicalmente la canción presenta el característico sonido de la banda, rock sureño fusionado con elementos de blues e incluso de hard rock. El solo el guitarrista Allen Collins y su uso del pedal wah-wah en esta canción fue incluido en el puesto número 19 por la revista Guitar world en su catálogo de los mejores solos de wah de todos los tiempos.

Red Hot Chili Peppers - Californication (Mes Red Hot Chili Peppers)


En 1999, Red Hot Chili Peppers lanzó su séptimo álbum de estudio, Californication, este se convertiría en el álbum de mayor éxito del grupo a nivel internacional, vendiendo más de 15 millones de copias en todo el mundo. Líricamente, este disco ofrece una mirada crítica a muchos aspectos del estado natal del grupo, California, aunque musicalmente, presentaba menos melodías basadas en rap y, en cambio, se centraba más en las líneas de bajo y los riffs de guitarra melódicos y texturizados de John Frusciante, quien regresó al grupo después de una pausa de varios años. Frusciante se sintió incómodo con el nivel de fama que resultó después del éxito de taquilla del grupo, Blood Sugar Sex Magik, ganador del Grammy en 1991, y abandonó abruptamente Red Hot Chili Peppers durante una gira por Japón en mayo de 1992. Los guitarristas Arik Marshall y Jesse Tobias fueron contratados como temporales reemplazos antes de que Dave Navarro, formalmente de Jane's Addiction, se convirtiera en el guitarrista permanente del grupo a mediados de los noventa, incluido el álbum de 1995 One Hot Minute. A principios de 1998, Navarro dejó la banda por diferencias creativas, casi al mismo tiempo, Frusciante comenzó a recuperarse de una grave adicción a la heroína, debido en parte al apoyo del bajista Flea y finalmente fue invitado a regresar a la banda. El material para Californication fue escrito en el verano de 1998, con Frusciante y el vocalista Anthony Kiedis a la cabeza en la formulación de riffs de guitarra y contenido lírico, respectivamente. A continuación, los aspectos rítmicos del disco fueron elaborados por Flea y el baterista Chad Smith antes de que el grupo entrara al estudio y grabara con el productor Rick Rubin durante el invierno de 1998-99. Aunque Rubin había producido los dos álbumes de estudio anteriores del grupo, no fue su primera opción, ya que primero habían buscado sin éxito a David Bowie como productor.

Red Hot Chili Peppers

El tema de apertura, “Around the World”, comienza con un frenesí de bajo salvaje y distorsionado de Flea antes de convertirse en un rap funk para los versos, alternando con un coro melódico, la forma en que los versos de bajo contrastan con el coro es asombrosa después de 13 años. “Parallel Universe” fue lanzado como single y su estructura está construida por un arpegio de bajo rápido y una melodía vocal lenta, lo que hace que todo suene un poco hueco sin graves reales ni guitarra hasta más tarde en un crescendo final salvaje de Frusciante. El solo final es magistral, sí, y muy influenciado por Hendrix, pero el hecho de que hayan subido tanto el volumen me distrae y, en última instancia, hace que el solo no tenga sentido. Dicho esto, algunas de las pistas más suaves del álbum son mis favoritas debido a este defecto que se repite en muchas canciones. El funk/rap/pop melódico de “Scar Tissue” es resaltada por interludios de guitarra de surf lento, fue el sencillo principal del álbum, y estuvo dieciséis semanas consecutivas en la cima de la lista Modern Rock Tracks, mientras alcanzaba su punto máximo en el Top 10 de la lista pop estadounidense, mostró a RHCP tomando una nueva dirección en la composición de canciones y centrándose por completo más en la melodía que en el ritmo. “Otherside” es el rock/pop más sencillo hasta ahora del álbum, aunque rinde un gran homenaje al rock grunge de principios de los noventa con guitarras entrecortadas y penetrantes, un riff de bajo característico y un ritmo constante de batería de Smith, esta canción sobre las batallas que enfrentan los adictos fue otro éxito menor para el grupo. Luego viene el rap funk descarado de “Get on Top”, que bien puede ser divertido en vivo pero que está un poco fuera de lugar en esta posición del álbum, Frusciante utiliza hábilmente dos acordes para acompañar la gran voz de Kiedis en los versos.


Red Hot Chili Peppers

Llegamos a la canción que dio título al álbum “Californication” una canción sobre el deterioro de la sociedad, que refleja cómo el mundo se está volviendo muy superficial y plástico, muy parecido a California. Los Red Hot Chili Peppers se formaron en Hollywood y están bastante familiarizados con la peculiar naturaleza de la vida en Los Ángeles, incluye algunas referencias a la cultura pop: Kurt Cobain, el álbum Station To Station de David Bowie y Alderaan o la princesa Leia de Star Wars. “Easily” sigue como una buena y sólida canción de rock con excelentes guitarras en capas, mientras que “Porcelain” es una balada psicodélica increíblemente lenta de finales de los sesenta, una canción sobre una madre soltera alcohólica que Anthony conoció en un YMCA. Es sin duda su mejor interpretación vocal del álbum y Flea demuestra que no siempre intenta exprimir todas las notas posibles en un compás. La batería de Chad se usa con moderación en la pista, pero cuando lo hacen, conduce a los hermosos interludios de guitarra de John que hacen que la pista sea tan grandiosa. El tema cargado de retroalimentación “Emit Remmus” (“hora de verano” escrito al revés) chirría a lo largo de la introducción y los versos sobre un simple ritmo de bajo y batería, esta categorizado como uno de los peores temas del álbum por los fans. La última parte del álbum se adentra en un territorio musical más diverso, “I Like Dirt” pasa del funk rudimentario a un ritmo rápido y tampoco es una canción muy lograda, “This Velvet Glove” que es otro tema genial penalizado por una mala mezcla, el funk sigue vivo y lo han infundido con el rock melódico, y “Savior” con ritmos fuertes y penetrantes, un intento de hacer una canción alternativa y deslumbrante, usando mucha distorsión y dinámicas variables, es un gran intento y la dinámica suave todavía me deja sin aliento, pero 5 minutos fueron demasiado largos y la canción finalmente se vuelve repetitiva. “Purple Stain” es un funk/rap con muchas palabras y cánticos, con una sección de improvisación posterior que es algo competente, quedó como la canción más divertida, John regresando a su antigua técnica de guitarra que era tan funky y misteriosa, con Flea y Chad dirigiendo la canción y demostrando continuamente que no pueden ser superados como sección rítmica. Anthony ofrece una increíble interpretación vocal en la canción antes de que el resto de la banda la retome con una sesión improvisada de 90 segundos. “Right on Time” alterna extrañamente un estilo punk funks con un poco de disco, es una canción muy interesante que no supieron aprovechar ya que termina abruptamente justo cuando crees que está a punto de mejorar y eso me enfada. Y finalizamos con “Road Trippin'”, un folk acústico con ricas armonías y cuerdas sobregrabadas, que aborda por última vez el lado oscuro y sórdido de Hollywood y su cultura, es el segundo intento de los Peppers de hacer una balada en el disco, y queda bastante repetitiva y estúpida. Chad está completamente ausente, y aunque apenas hizo nada en Porcelain, cuando hizo algo añadió una dimensión completamente nueva a la canción. Las letras son trilladas y aburridas y han sido escritas innumerables veces antes, la progresión de la guitarra nunca cambia y, en total, son solo 3 1/2 minutos de aburrimiento.

Red Hot Chili Peppers

 Si bien hay varias canciones que tienen problemas que le impiden ser el clásico absoluto que podría haber sido, Californication sigue siendo el esfuerzo más fuerte de la banda. Al centrarse más en su lado de rock alternativo y pop, la banda puede haber perdido algo de credibilidad entre los fanáticos del funk rock, pero desde que Frusciante se unió a la banda, esta es el área en la que se han destacado, y es genial verlos entregarse a este estilo. En el momento de su lanzamiento, era fácil cansarse de algunas de estas canciones, y eso hace que sea fácil descartar Californication como una tontería pop. Esa fue mi perspectiva durante más de 20 años, pero ahora que la reproducción en la radio finalmente se ha calmado, es más fácil apreciar cuán geniales son realmente algunas de estas canciones y cuánto la banda había perfeccionado su estilo. Como banda de funk rock, en general habían sido un poco mediocres con algunos destellos de brillantez. Como banda nostálgica de rock alternativo, no eran necesariamente originales ni únicos, pero eran geniales.