El disco de la semana 185: Beth Hart & Joe Bonamassa - Don't Explain

Don't Explain

     Para la recomendación de esta semana en 7dias7notas vamos a hablar de dos artistas que cuando se conocieron lo tuvieron claro, tenían que grabar algo juntos, y no se equivocaban porque cuando se juntan son capaces de regalarnos temas maravillosos para nuestros oídos, con todos vosotros Beth Hart y Joe Bonamassa y su primer trabajo juntos, Don't Explain.

Beth Hart es una cantante y compositora estadounidense que goza de una gran popularidad ahora gracias a su calidad, pero hasta llegar ahí no lo tuvo nada fácil. Nace en Los Ángeles, California (Estados Unidos), y desde bien pequeñita se siente atraida por el piano, de hecho al ver en la televisión la pieza Sonata para piano nº 14 de Beethoven, más conocida como Claro de Luna, esa misma noche se sienta en un piano que sus padres tenían y es capaz de reproducirla, sólo tenía 4 años. Sus padres lógicamente le apuntan a clases de piano, pero Beth no se molesta en aprender a leer partituras, finge que las lee y las toca de oído.

En su jueventud se dedica a participar en concursos de canto y televisión al mismo tiempo que toca en locales en Los Ángeles. Consigue ganar un concurso en 1993, lo que le vale dar el salto y consigue publicar su primer álbum de estudio, Hart And The Ocean Of Souls en 1993. Beth iniciaba una brillante carrera como intérprete de blues, rock, soul y jazz. Pero no lo tiene fácil, pues padece problemas con las drogas desde los once años de edad, sumado al hecho de que de pequeña es diagnosticada de trastorno bipolar. Su madre consideraba ridículo que una niña pequeña tuviera que medicarse y no seguía tratamiento alguno.

Cuando Beth tiene 20 años su hermana Sharon, con quien Beth consumía drogas, fallece a causa del VIH por compartir jeringuillas. Beth se encuentra sumergidsa en una espiral de alcohol y drogas. el punto de inflexión llega en 1999, pierde su contrato discográfico con la discográfica Atlantic Records e ingresa en un hospital debido al abuso continuado de alcohol y drogas. Es allí cuando se entera que sus adicciones son debidas a su trastorno bipolar. Es en ese momento cuando deja de consumir dichas sustancias y se pone en tratamiento. Parte de culpa que Beth consiga centrarse la tiene su representante, Scott Guetzkow, con quien se acabará casando en el año 2000, pues le ayuda a poner los pies en la tierra. En 2003, y después de tres discos publicados e infinidad de problemas debidos a su enfermedad y adicciones, Beth regresa centrada y en forma y publica Leave The Light On. Beth Hart en forma y libre de adicciones es una artista maravillosa, y nada la detendrá, labrándose una excelente carrera de aquí en adelante.

Joe Bonamassa nace en 1977 en la localidad de Utica, Nueva York (Estados Unidos). Al igual que Beth, Joe empieza a tocar la guitarra a edad muy temprana, a los cuatro años animado por su padre, quien además de melómano empedernido es también representante de guitarras. A los once años ya recibía clases de guitarra de Danny Gatton, famoso guitarrista que fusionó los estilos blues, rockabilly, jazz y country. A los doce años Joe ya tiene su propia banda, Smokin' Joe Bonamassa, pero sólo toca los fines de semana pues durante el resto de la semana tiene que asistir a clase como los demás niños.

Es con doce años cuando abre en aproximadamente una veintena de conciertos de BB King, siendo apadrinado por el mismísimo BB. Antes de cumplir los 18 años tocaba en una formación llamada Bloodline, compuesta además de por el mísmo, por los hijos de Miles Davis, Robbie Krieger y Berry Oakley. En el año 2000 publica su primer álbum de estudio, A New Day Yesterday, donde presenta composiciones propias y covers de Rory Gallagher, Jethro Tull y Warren Haynes, además de contar con la colaboración del mismísimo Gregg Allman en el tema If Heartaches Were Nickels. El álbum supone todo un éxito, alcanzando el puesto número 9 en la famosa lista americana Billboard Blues. Se daba el pistoletazo de salida a la fulgurante carrera de Joe Bonamassa.

El destino obrará su magia y hará que Beth y Joe coincidan. Joe Bonamassa había visto varias actuaciones de Beth Hart en televisión, además los dos se habían cruzado en Europa durante los espectáculos que ambos daban por separado. Definitivamente Joe queda muy impresionado al ver el espectáculo in situ de Beth en el Festival Blue Balls de Lucerna, Suiza. La idea de trabajar juntos se gesta cuando ambos coinciden en el bar de un hotel en Dublín y Bonamassa le plantea la idea a Beth de hacer algo juntos, algo que ella acepta de inmediato. En un principio Beth se pensaba que lo que Bonamassa le había pedido es que le hiciera las voces de respaldo, pero no, Joe le había propuesto hacer un disco juntos, al 50%.

Para la grabación de su primer álbum juntos recurren al productor Kevin Shirley, más conocido como The Caveman, quien ha trabajado con artistas de la talla de Journey, Iron Maiden, Led Zeppelin, Dream Theater, Mr. Big, HIM ó Europe entre otros. El álbum que Joe Y Beth quieren sacar adelante son covers de temas que siempre habían querido grabar, y en un principio escogen escogido 12 temas, si bien al final sólo serán grabados 10. La selección de los temas se hace de la siguiente forma, Beth escoge cinco de los temas que serán grabados y Joe los otros cinco.

El resultado es Don't Explain, su primer álbum juntos grabado en 2011, un compendio de versiones que están hechas con un cuidado y una calidad exquisitas.
La selección de Beth y Joe para éste álbum es la siguiente: Sinner's Prayer, una de las elecciones de Beth. Tema compuesto por Lowell Fulson y Lloyd Glenn y grabado por Ray Charles en 1957. Chocolate jesus, compuesta por Tom Waits y Kathleen Brenann y grabada por el mismo Tom Waits en su disco Mule Variations en 1999. Llegamos a Your Heart Is A Black As Night, para mí una de las joyas del disco, compuesta y grabada por la magnífica cantante y compositora de jazz Melody Gardot en 2009 para su álbum My One And Only Thrill. For My friend, otra de las elegidas por Beth, compuesta y grabada por el famoso compositor y cantautor estadounidense Bill Withers en 1973 en su álbum en directo Live At Carnegie Hall. Cierra la cara A el tema que da título a esta selecta recopilación, Don't Explain, compuesta por la cantante de jazz y swing Billie Holiday y el compositor Arthur Herzog Jr. (famosos ambos por sus composicionesde temas de jazz juntos), y grabada por Billie Holiday en 1946.

La cara B llega con otro de las grandes joyas de este disco, I'd Rather Go Blind, compuesta por Etta james, Ellington Jordan y Billy Foster, y grabada y publicada por Etta James en 1968 en los famosos estudios FAME, en Muscle Shoals, Alabama. Cerrad los ojos y dejaros llevar porque Joe con la guitarra y Beth con la voz están sublimes. Something's Got A Hold On Me, compuesta por Etta James, Leroy Kirkland y Pearl Woods, y al igual que la anterior, grabada por Etta james en 1962. Turno para la que es para mí la tercera joya absoluta del disco, I'll Take Care Of You, una de las escogidas por Bonamassa, compuesta por el famoso compositor estadounidense de los años 50 y 60 Brook Benton y grabada por el bluesman Bobby Bland en 1959. Turno para otra de las elecciones de Joe, Well, Well, compuesta por el compositor y productor Delaney Bramlett y grabada por el mísmo y por su mujer Bonnie Bramlett en 1972 e incluida en el álbum de ambos D&B Together. El álbum cierra con el tema Ain't No Way, tema que para mí no sólo cierra el álbum, también cierra el poker de joyas del disco junto con Your Heart Is As Black As Night, I'd Rather Go Blind y I'll Take Care Of You (todos los temas del disco son muy buenos, pero estos cuatro son maravillosos). Compuesto por Carolyn Franklin (hermana de Aretha Franklin), y grabada por Aretha Franklin en 1968.

Don't Explain es un maravilloso álbum de versiones realizado por Beth Hart y Joe Bonamassa, un trabajo realizado con un gran cuidado, exquisitez y respeto hacia los temas originales. Para la escucha de este disco nada mejor que hacerlo escuchando primero los temas originales y seguidamente los covers de Beth y Joe, así sacáis vosotros conclusiones, os garantizo que no os van a defraudar...

Canciones que nos emocionan: Black Lung Heartache

Dust Bowl (2011), Joe Bonamassa

   

      El Blues Rock es un género musical que combina elementos del blues y el rock y que normalmente utiliza como elemento transmisor una guitarra eléctrica. Uno de los máximos referentes, exponentes y precursores del blues rock en la actualidad es sin duda Joe Bonamassa, el magnífico guitarrista de Nueva York que creció rodeado entre guitarras. En 7dias7notas ya hicimos en su momento una reseña para recomendar su noveno álbum de estudio, The Ballad of  John Henry, un magnífico disco que publicó allá por el año 2009.

     En 2011, dos años después Joe Bonamassa publica Dust Bowl, considerado por la crítica y también por el que les escribe otro de sus mejores trabajos. El disco en cuestión fue producido por Kevin Shirley más conocido por The Caveman. Journey, Iron Maiden, The Black Crowes, Rush, Led Zeppelin, Beth Hart, Dream Theater ó Mr. Big son sólo algunos de los artistas con los que este prolífico productor ha trabajado. Para la grabación del disco Bonamassa utilizó hasta cuatro estudios de grabación diferentes, los Black Rock Studios en Santorini (Grecia), el Ben's Studio en Nashville (Tennessee), The Cave en Malibú (California) y The village en Los Ángeles (California).

     Para la portada del álbum Joe utilizó la famosa fotografía que el famoso fotógrafo estadounidense Arthur Rothstein tomó en 1936. Dicha fotografía muestra a un granjero y a sus dos hijos durante una tormenta de polvo en el condado de Cimarrón, Oklahoma (Estados Unidos). Dicha fotografía rápidamente se convirtió en un icono del famoso fenómeno conocido como Dust Bowl, y que además es el título de éste álbum de Joe.

     El fenómeno Dust Bowl fue uno de los peores desastres ecológicos que se dieron a principios del siglo XX y que consistió en una fuerte sequía que afectó a las llanuras y praderas americanas desde el Golfo de México hasta Canadá y que se prolongó desde 1932 hasta 1939. Esta sequía provocaba que el suelo, el cuál se encontraba completamente seco, sin humedad alguna, fuera levantado por las fuertes ventiscas que convertían el suelo en inmensas y espesas nubes de polvo que escondían hasta el sol. Este fenómeno sumado al de la Gran Depresión del 29 hizo que se produjera el mayor desplazamiento población de la región que ha habido en un corto periodo de tiempo en la historia de Estados Unidos.

     Pues bien, dentro de éste más que recomendable disco de Joe Bonamassa se encuentra otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, Black Lung Heartache, tema compuesto por el mismo joe Bonamassa y donde quiso abordar la situación de los mineros de carbón de la zona del Oeste de virginia, los cuáles tienen que tomar la decisión de realizar todos los días un trabajo que saben que los matará lentamente pero con el cuál podrán alimentar a su familia, ó por el contrario no hacerlo mirando por su salud pero no poder pagar las facturas ni alimentar a su familia. Un tema con un sonido country blues americano que le da al tema un toque magnífico.

Well I'm a man of the mountain

I'm just made of dirt

Of this Earth I traveled

Like a shepherd and his herd

And I said hang on, hang on

Black lung heartache

I sleep in a modest house

These green hills I mind

And if I plow tend my children

Who will be by the side?

And I said hang on, hang on

Black Lung Heartache

I've shed many tears

Seems I can't shed no more

You can see them on the table

You can see 'em on the floor

Now I said hang on, hang on

Black lung heartache

I've seen many men

They become hard as nails

Carrying the hammers like keys to a jail

Now I said hang on, hang on

Black lung heartache

Now I said so long, so long

Black lung heartache

     Black Lung Heartache es un temazo, la excusa perfecta para volver a hablaros de Joe Bonamassa y recomendar otro de sus magníficos discos, Dust Bowl, donde al contrario que en su anterior trabajo The Ballad of John Henry, se aleja un poco si cabe de su característico sonido blues rock para acercarse y ahondar más en el género country blues.

La música en historias: Kevin Shirley

Kevin Shirley

     Como ya suele ser habitual en 7dias7notas, nos vamos a centrar en la figura del productor Kevin Shirley, otro de esos personajes que han contibuido y aportado su granito de arena en engrandecer el noble arte de la música.

Kevin Shirley, también conocido como The Caveman nace en 1960 en la ciudad sudarfricana de Johannesburgo. Sus pirmeros contactos con un estudio de sus ciudad natal son a través de la empresa para la que trabaja, pues es contratada para pintar dicho estudio y Kevin trabaja pintando el lugar. Posteriormente parece que Kevin lo tiene claro y continúa frecuentando el lugar hasta que consigue trabajo allí. Es en aquel estudio donde se inicia y comienza aprendiendo todo lo básico sobre la grabación, realizando grabaciones de todo lo que cae en el estudio. Sus inicios en la producción son grabando a artistas locales sudafricanos a la vez que toca en su propia banda de múscia llamada The Council.

Cuando tiene 20 años, la familia de Kevin se muda a Australia, ya que está en contra del regimen del apartheid. El único problema es que a él no le dejan entrar por lo que tiene que permanecer en Sudáfrica, pero no pierde el tiempo pues sigue trabajando con artistas locales consiguiendo éxito y reputación hasta que consigue entrar en Australia con 26 años de edad.

En Australia trabaja con mucho éxito con grupos de allí, entre los que se encuentran Tony Johns, The Hoodoo Gurus, The Angels, Tina Arena ó The Screaming Jets entre otros. La banda australiana Baby Animals le invita a trabajar en uno de sus discos con ellos  en Nueva York, allí trabaja con el productor Mike Chapman, quién le invita a trabajar en otros proyectos por lo que permanece allí una temporada.
No obstante Kevin aún considerando su estapa en Estados Unidos muy positiva decide volver a Australia e instalar allí su base de trabajo, pues allí es más conocido y tiene más posibilidades de progresar laboralmente.

Para finalizar y comprender la importancia y contribución de Kevin Shirley en el complicado mundo de la industria musical destacar sólo algunos de los trabajos durante su productiva y extensa carrera:

The Black Crowes, Shake Your Money Maker (1990)
                              
The Black Crowes, The Southern Harmony And Musical Companion (1992)

Rush, Contreparts (1993)

Olivia Newton-John, Gaia: One Woman's Journey

Silverchair, Frogstomp (1995)

Hoodoo Gurus, Blue Cave (1996)

Journey, Trial By Fire (1996)

Aerosmith, Nine Lives (1997)

Journey, Greatest Hits Live (1998)

Dream Theater, Once In A LIVEtime (1998)

The Black Crowes, By Your Side (1999)

Silverchair, Neon Ballroom (1999)

Jimmy Page & The Black Crowes, Live At The Greek (2000)

Joe Satriani, Engines Of Creation (2000)

Iron Maiden, Brave New World (2000)

Journey, Arrival (2001)

HIM, Deep Shadows And Brilliant Highlights (2001)

Dream Theater, Live Scenes From New York (2001)

Iron Maiden, Rock In Rio (2002)

Dream Theater (Six Degrees Of Inner Turbulence (2002)

Led Zeppelin, How The West Was Won (2003)

Iron Maiden, Dance Of Death (2003)

Dream Theater, Train Of Trought (2003)

New Yok Dolls, The Return Of New York Dolls: Live From Royal Festival Hall 2004 (2004)

Iron Maiden, Death On The Road (2005)

Joe Bonamassa, You & Me (2006)

Black Stone Cherry, Black Stone Cherry (2006)

Iron Maiden, A Matter Of Life And Death (2006)

Joe Bonamassa, Sloe Gin (2007)

Journey, Revelation (2008)

Dream Theater, Chaos In Motion 2007-2008 (2008)

Joe Bonamasa, The Ballad Of John Henry (2009)

Iron Maiden, Fligh 666 - The Original Soundtrack (2009)

Black Country Communion, Black Country (2010)

Mr Big, What If... (2010)

Beth Hart & Joe Bonamassa, Don't explain (2011)

Joe Bonamassa, Dust bowl (2011)

Robert Cray Band, Nothin But Love (2012)

Steve harris, British Lion (2012)

Beth Hart, Bang Bang Boom Boom (2012)

Black Country Communion, Afterglow (2012)

Black Star Riders, All Hell Breaks Loose (2013)

Beth Hart & Joe Bonamassa, Seesaw (2013)

Iron Maiden, The Book Of Souls (2015)

El disco de la semana 279: The Blues Album - Joanne Shaw Taylor

 

The Blues Album, Joanne Shaw Taylor 

     Esta semana, para la recomendación semanal nos acercamos a la localidad británica de Wednesbury, situada en West Midlands, donde nació allá por 1985 Joanne Shaw Taylor, una de los grandes estandartes en la actualidad, por derecho propio, del blues rock británico. Atrás queda ya el año 2001, cuando fue descubierta por Dave Stewart, del grupo Eurythmics, cuando contaba con apenas 16 años. Dave lo tuvo claro, y al escucharla tocar la invitó a unirse a su banda DUP para la gira por Europa en 2002.

Joanne Shaw Taylor aprendió a tocar la guitarra bien temprano, insprándose en artistas de la talla de Stevie Ray Vaughan, Albert Collins y Jimi Hendrix. Su imagen suele esar asociada a la de una Fender Telecaster, guitarra que suele usar con asiduidad, aunque también suele usar Gibson Les Paul. También ha admitido que le gusta la Fender Stratocaster, pero ésta para trabajos de guitarra rítmica. Suele usar una Telecaster, a la que llama Junior, y que adquirió a la edad de 15 años, un modelo Esquire de 1966 modifcado y que compró de segunda mano en Londres, al que se le había agregado una pastilla de mástil humbucker Fender Jazz además de la pastilla de fábrica que llevaba en el puente. También suele usar una Telecaster modelo Fender Albert Collins, la cual fue un regalo que le hizo Joe Bonamassa. 

En 2009 Joanne debutaba lanzando su primer álbum de estudio, White Sugar, bajo el sello discográfico Ruf Records. Unos 13 años después, con 8 álbumes y un EP,  la genial guitarrista británica se ha asentado en la élite musical del blues rock, y esta semana vamos a recomendar uno de sus álbumes, más concretamente su último trabajo, The Blues Album, publicado en el año 2021. The blues Album empezó a tomar forma durante la pandemia, y para este proyecto contó con la colaboración en la producción de dos gigantes de la guitarra, Joe Bonamassa y Josh Smith, que ayudan a Joane a exprimir todo su potencial con la guitarra y con la voz. 

The Blues Album es grabado en los estudios Ocean Way de Nashville, bajo la producción, como hemos comentado anteriormente, de Joe Bonamassa y Josh Smith, y publicado en 2021 bajo el sello discográfico Keeping the Blues Alive, propiedad del mismo Joe Bonamassa. Los dos productores tenían claro que había que rodear a Joanne de musicos solventes, y para ello contaron con Reese Wynans (teclados), Greg Morrow (batería), Steve MAckey (bajo), Steve Patrick (trompeta), Mark Douthit (saxo) y Barry Green (trombón). También contaron con la colaboración de Mike Farris.

El resultado es The Blues Album, compuesto por doce versiones de blues, donde se nota el gran trabajo a la producción de los dos excelsos gutarristas, y donde Joanne está a la altura dando su propio toque personal con su indudable calidad a la guitarra, y también con su áspera y elegante voz. Compone el material de este disco Stop Messin' Round, compuesta por Peter Green, y que fue grabado por primera vez por éste en 1968 e incluido en el ábum Mr. Wonderful de Fleetwwod Mac. Una versión donde destaca el buen hacer de los teclados. If That Ain't a Reason, compuesta por Little Milton y publicada en su álbum Chronicle en 1979. Podemos  apreciar el gran trabajo vocal de Joanne, muy bien escoltada por unos magníficos coros. Keep On Lovin' Me, tema escrito por Otis Rush y publicado en 1969 en su álbum This One's A Good 'Un. Tema con unos buenos arreglos de la sección de metales, y un sólo abrasivo de la guitarrista marca de la casa. La ardiente y apasionada If You've Gotta Make a Fool of Somebody, escrita por Rudy Clark y grabada por pimera vez en 1961. Sería convertida en un clásico por la gran Aretha Franklin en su grabación en 1969. Don't Go Away Mad, tema acreditado a Ry Cooder, John Hiatt, Nick Lowe, y Jim Keltner, quienes en 1992 formaron un supergrupo llamado Little Village y lanzaron un álbum de título homónimo. Este tema forma parte de este disco. En esta alegre versión Joe Bonamossa colabora aportando su toque en la guitarra y las voces. En Scraps Vignette Joanne saca a relucir todo su potencial en este breve instrumental lleno de garra y fuerza escrito por Josh Smith. Tampoco se olvida del gran Albert king en su repertorio, y el tema elegido es Can't You See What You're Doing To Me, tema que el guitarrista lanzó en fomarto single en 1970 bajo el sello discográfico Stax. Let Me Down Easy, otro tema popularizado por Little Milton y que fue compuesto por Maurice Dollison. Dollison escribió temas de éxito para artistas de la talla de Etta james, Otis Clay o Blood, Sweat & Tears entre otros. En esta versión, Joanne es capaz de inyectar, con su voz lenta y cruda, al tema un plus de emoción e intensidad. El alegre Two Time My Lovin', escrito por Kim Wilson, vocalista de The Fabulous Thunderbirds, y que fue publicado en su álbum Tuff Enuff (1986). Cierran la brillante selección de once temas de este álbum dos escritos por Don Covay, famoso compositor y cantante estadounidense de R&B, rock and roll y soul: I Don't Know What You've Got, un medio tiempo que se mueve entre el soul y el blues, y grabado y popularizado por Little Richard allá por el año 1965. Joanne cuenta en este tema con la colaboración de Mike Farris, quien agrega armonías vocales y coros; y Three Time Loser, cerrando este disco a rimo de shuffle (ritmo musical vinculado al blues y el jazz).

The Blues Album es un más que recomendable disco, surigo en una época difícil, la pandemia, para darnos ilusión y esperanza. Joanne ve convertido en realidad uno de sus sueños, trabajar con uno de sus ídolos, Joe Bonamassa, y además se suma al proyecto otro de los grandes, Josh Smith. Y la gran guitarrista sabe aprovechar esta oportunidad que se le brinda, no en vano ahora mismo es el referente, la punta de lanza del blues rock británico, un título que se ha ganado a pulso con trabajo, dedicación y esfuerzo. 

El disco de la semana 7: Joe Bonamassa, The ballad of John Henry

The ballad of John Henry 

     Joe Bonamassa nació en Nueva York en 1977, a los cuatro años ya tocaba la guitarra, a los siete era capaz de tocar blues, a los diez ya daba conciertos, y a los doce recibió la bendición y fue apadrinado por el mismísimo B. B. King. Hijo de un comerciante de guitarras, estando todo el día rodeado de ellas, y teniendo como referentes de la guitarra a gente como Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, Gary Moore, B. B. King, Peter Green, John Mayall o Rory Gallagher, el resultado no podía ser otro.



      Ahora mismo es uno de los mejores bluesmans que hay en la actualidad, envuelto en multitud de proyectos (Muy destacables sus contribuciones en "Black Country Communion" y sus colaboraciones con "Beth Hart"), es capaz de editar hasta tres discos al año.


 Llegó a involucrarse en un proyecto orientado a perpetuar el blues como estilo musical y hacerlo llegar a los jóvenes. Mediante la lectura, se les mostraba a los jóvenes los inicios y la historia del blues, que iban acompañadas de una actuación de Joe.




     The ballad of John Henry ve la luz en 2008, y contiene 12 temas, 7 composiciones propias y 5 versiones. Disco que tiene mezclas de estilos blues, Rock y country que tan bien domina Joe, y con un sonido constante de guitarras sucias que le da un toque muy muy americano.
El resultado es para mí uno de sus mejores discos.




     Abre el disco "The ballad of jonh Henry", tema contundente con raíces sureñas que ya hace que se te abran los sentidos con unos riffs muy contundentes.


 "Stop", versión del famoso tema de Sam Brown, donde es capaz de hacer una versión más que aceptable metiendo como entre líneas una guitarra que parece estar llorando, con mucho feeling.

     Y llegamos a la primera joya del disco, "Last Kiss", tema donde recrea el famoso efecto tren, y donde los riffs de guitarra simulan el sonido de una armónica haciendo el sonido de un tren. El resultado es sencillamente espectacular.


 "Jockey full of bourbon", compuesta por Tom Waits, Tema que te traslada directamente a un antiguo salón de cualquier pueblo del oeste, con una apertura típica de la música que solía sonar en dichos salones, y que tiene unos arreglos con la guitarra slade muy buenos.


"Story of a Quarryman" uno de los temas más rockeros del disco, guiño al hard-rock, con una aire muy Hendrixiano, con un sonido de guitarras sucias, con un solo de guitarra que siempre que lo escucho me deja hipnotizado.


 "lonesome road blues", buen tema, mantiene el tipo, aunque he de reconocer que no es de las que más me gusten del disco.


"Happier Times", llegamos a otra de las joyas absolutas del disco, tema blusero que entremezcla ritmos africanos. Tema de los que hay que escuchar sentado en la mecedora mientras degustamos un buen Bourbon.


"Feelin' Good", versión del tema que tan famoso hizo "Nina Simone".


"Funkier Than a Mosquito's Tweeter", otro tema de los que realiza una interesante versión, tema muy guitarrero con una mezcla de ritmo funky pero más acelerado. El resultado es de lo más interesante.


"The Great Flood", otra de las maravillas del álbum, blues lento,  triste, con una voz desgarradora, con acompañamiento de una sección de viento que le da un aire lúgubre, y todo aderezado con una guitarra que se está lamentando, magnifico tema.


"From The Valley", acompañado prácticamente solo con la guitarra, el resultado es un tema de raíces americano.

     Cierra el disco con la última de las cinco versiones, "As The Crow Files", otro de los temas mas rockeros del disco con un toque muy sureño.

   
      Destacar el trabajo vocal de Bonamassa, que si es un gran guitarrista, también esta dotado de una voz muy cuidada y trabajada, elemento que ha cuidado tanto cómo su práctica constante con la guitarra.
   
      Resumiendo, si os gusta el blues electrico no podéis dejar de escuchar "The Ballad Of Jonh Henry", blues eléctrico aderezado con  toques del más puro blues de raices, rock y country. Por eso es un disco que no debéis perderos.

La música en historias: Los músicos de sesión XVII

 

     Los músicos de sesión, esa fuente inagotable de recursos a la que los artitas pueden recurrir para sacar con éxito sus trabajos. La ventaja de los artistas con estos músicos, no tienen por qué tener ni disponer de su propia banda para sacar adelante esos proyectos y trabajos. Vamos con la decimoséptima entrega dedicada a los músicos de sesión y su vital importancia dentro de la música.

Reese Wynans, teclista estadounidense nacido en 1947. Crece en sarasota, Florida, y al igual que sus seis hermanos empieza a recibir lecciones de piano, con la particulardad que es el único de los hermanos al que le gusta realmente tocar dicho instrumento. Entre noviembre de 1968 y marzo de 1969 forma parte de la banda Second Coming, donde se econtraban dos de los futuros fundadores de los Allman Brothers Band, Dickey Betts y Berry Oakley. Estuvo  involucrado en las sesiones iniciales que llevaron a la formación de Allman Brothers, pero al final no formó parte ya que el tecldista elgido fue Gregg Allman, y Duane allman no quería una banda con dos tecladistas. En 1973 se une a la banda Capitan Beyond, y graba sufficiently Breathless, pero renuncia después de tocar un sólo concierto con la banda, el motivo: a pesar de ser una gran banda, estaba muy desorganizada, algo que no gustaba a Reese. A partir de mediados de los 70 toca en varias bandas, como la de Jerry Jeff Walker, The Explosives, Debert McClinton, trabajando incluso con Carole King. En 1985 se une a Stevie Ray Vaughan y la Double Trouble, donde permanece en la misma hasta el fallecimiento de Ray Vaughan en 1990. Tras la muerte de éste realiza giras para varias bandas. En 1992 se muda a Nashville, Tennessee, donde se establece y toca los eclados como músico de sesión sobre todo para artistas country y blues. Brooks & Dunn, Trisha Yearwood, Martina McBride, Hank Williams Jr, Buddy Guy, Ana Popovic, John Mayall, Kenny Wayne Shepherd, Colin James, Joe Bonamassa y Eli Cook son algunos de los artistas con los que ha trabajado durane su extensa carrera musical.

Anton Fig, baterista sudafricano nacido en 1952 en Ciudad del Cabo. Más conocido como "The Thunder From Down Under", y su trabajo en la banda Paul Shaffer And The World's Most Dangerous Band, la banda de apoyo del programa nocturno de David Letterman. Empieza a tocar la batería a los cuatro años, y después de ganarse una buena reputación local tocando en varias bandas locales, se muda Boston para poder seguir su progresión musical, estudiando en el Conservatorio de Música  de Nueva Inglaterra (Boston), donde estudia jazz y varias disciplinas clásicas. Una vez graduado, se muda en 1976 a Nueva York donde empieza a hacerse una carrera como músico. En 1978 toca en el disco en solitario de Ace Frehley, el guitarrista principal de Kiss, con quien trabajaría también de 1984 a 1987 en su proyecto en solitario Frehley's Comet. En 1979 es el reponsable de grabar la batería en todos los temas menos en uno del álbum Dinasty  y todas las canciones del álbum Unmasked de Kiss. Al parecer los productores pensaban que Peter Criss, el batería de Kiss, tenía un probelma con las drogas y no estaba en forma. Fue miembro de la banda Spider entre 1980 y 1982, y en 1986 ficha como baterista de la banda de Paul Shaffer, grupo que trabaja para la NBC primero y la CBS después acompañando siempre a David Letterman. Algunos de lo artistas con los que ha trabajado son Bob Dylan, BB KIng, Peter Frampton, Cyndi Lauper, Link Wray, Eric Johnson, Joe Bonamassa, Beth Hart, Mick Jagger, Gary Moore, Joe Cocker, Joe satriani, Paul Simon y Booker T & The MG's.

Jeff Bova, tecladista, trompetista, arreglista, compositor y productor estadounidense, nacido en Washington DC, Estados Unidos en 1953. Hijo de un tompetista profesional, coge éste instrumento como referencia desde su niñez, continuando con él en la escuela primaria, y posteriormente en la prestigiosa Berklee College of Music y en la Manhattan School of Music, llegando a recibir lecciones de la leyenda de la trompeta Maury Deutsch. Sin embargo, al final elige los teclados como instrumento de referencia y se especializa en él. Después de dejar la universidad se une a una banda de jazz fusión llamada Flying Island, y posteriormente se muda a Nueva York, donde forma parte de la banda de R&B Change desde 1982 hasta 1984. En 1983, después de colaborar con Norah Hendryx, conoce al bajista y productor de discos Bill Laswell, con quien trabaja durante los cinco años siguientes, incluyendo trabajos en bandas sonoras de películas, como por ejemplo Colors, protagonizada por Sean Penn. Su productiva carrera como músico de sesión, arreglista y productor ya no parará, y su trabajo con artistas como Celine Dion, Meat Loaf, Robert palmer, Yoko Ono, David Lee Roth, Billy Joel, Iggy Pop, Eric Clapton, Richie Sambora, Europe y Iron Maiden entre otros tantos, son una buena muestra de ello.

Thomas Lang, Baterista, multiinstrumenstista, compositor y productor de discos austriaco. Nacido en Viena en 1967, además de ser miembro fundador de la banda de metal progresivo stOrk, es un reputadisimo músico de sesión internacional que abarca una amplia variedad de géneros como jazz, rock, pop, heavy metal, jazz fusión o rock progresivo entre otros. Su fuerte es la batería, pero también toca guitarra, bajo y teclados. Comienza a tocar la batería a la edad de 5 años, y estudia en el Conservatorio de Música de Viena. Una vez acabados sus estudios en el conservatorio en 1985, comienza a abrirse paso en la escena musical europea, pero será en 1990, cuando se muda a Londres (Inglaterra), cuando empieza a despegar internacionalmente. El estilo y práctica de Lang con la batería se convierte en 1995 en la base de unos vídeos instructivos que son lanzados ese año, y en 2004 son reeditados. En 2007 lanza una gira en forma de campamento, el cual es una experiencia de percusión educativa llamada Thomas Lang Drumming Boot Camp, y dicha experiencia educativa la ha seguido compartiendo hasta la fecha, siendo reconocido y galardonado su concepto educativo en 35 países además de albergar más de 120 campamentos por todo el mundo. Su compromiso con la educación musical es tal, que es asiduamente invitado en universidades, seminarios de batería y campamentos de batería de todo el mundo. Como músico de sesión ha colaborado, entre otros muchos, con artistas de la talla de Paul Gilbert, Glenn Hughes, Robert Fripp, Peter Gabriel Asia, Tina Turner, Sugababes, Steve Hackett, Falco, Nina Hagen, Mick Jones, George Michael, Bonnie Tyler y la Orquesta de Arte de Viena.

Andrea Álvarez, baterista, percusionista, cantante y compositora argentina, nacida en Buenos Aires en 1962. formó parte de Rouge, la primera banda de rock argentino integrada únicamente por mujeres. Andrea es pionera entre las bateristas mujeres argentinas, y la primera en llevar y consolidar la carrera con la batería profesionalmente en aquel país. En 1979 entra a formar parte de Rouge reemplazando a Mary Sánchez, y permanece en la misma hasta su disolución a principios de la década de los 80. Como músico de sesión ha colaborado con artistas de la talla de Charly García, Davi Lebón, Memphis la Blusera, Los Rodríguez, Los Tipitos, Marcela Morelo, Patricia Sosa, Attaque 77, Celia Cruz, Tito Puente, Alex Acuña y Draco Rosa entre otros. Aunque una de sus colaboraciones más destacadas es la que hizo con Soda Stereo, con quién toca durante tres años, tanto en la grabación de tres de sus discos (Languis, Canción Animal y Mix), como en giras y shows de despedida de la mítica banda argentina. A finales de la década de los 90 comienza a producir su propia música, primero con el proyecto llamado Plusmadre (un ensamble de percusión formado por mujeres), y posteriormente en solitario. Desde entonces ha publicado ya dos EP's, cuatro discos de estudio y un directo. En 2015 recibe un premio Konex (premios argentinos para reconocer cada año a las personalidades e instituciones más distinguidas en la ramas del quehacer argentino y que sirven de ejemplo para la juventud) a "Mejor artista femenina de rock de la década" junto a otras cinco solistas femeninas argentinas, y en 2016 fue nominada en los premios Grammy Latinos en la categoría de "Mejor álbum de rock" por su disco Y lo dejamos venir.

La música en historias: Los músicos de sesión XIX

 

     The Memphis Horns era un grupo, más concretamente una sección de instrumentos de viento estadounidense, considerada por muchos como la mejor sección de instrumentos de viento de la historia del soul. Comenzaron originalmente como un sexteto para ir reduciéndose con el tiempo y acabar como un dúo. El grupo se hizo famoso por sus innumerables colaboraciones y grabaciones para el mítico sello Stax Records, apoyando a otros artistas. Colaboraron prácticamente en todas las grabaciones del sello Stax que requerían de sección de viento. Isaac Hayes, Albert King, Otis Redding, Rufus Thomas ó Sam & Dave entre otros pudieron comprobar la enorme calidad de este grupo. Vamos con la decimonovena entrega dedicada a los músicos de sesión.

Wayne Jackson, trompetista estadounidense nacido en West Memphis, Arkansas en 1941, y fallecido en 2016. Comenzó tocando la trompeta en los Mar-Keys, el germen de la famosa banda de apoyo de Stax, Booker T. & The MG's. Su trabajo en el sello Stax hará que acabe asociándose con el saxofonista Andrew Love, y juntos sean los creadores del famoso y característico sonido de viento del sello Stax. Después de llevar unos años trabajando para el sello Stax junto con Love y de realizar giras apoyando a The Doobie Brothers, Jimmy Buffet o Robert Cray entre otros muchos , se unen a los Memphis Horns. El grupo es autónomo y aunque no pertenece al sello Stax, realiza casi todas las grabaciones de grupos o artistas que graban allí y requieren de sección de viento. Luther Allison, Otis Redding, Aretha Franklin, Rob Thomas, Mark Knopfler, Bonnie Raitt, BB King, Billy Joel, José Feliciano y Peter Gabriel son sólo algunos de los artistas que pudieron disfrutar del sonido de Wayne jackson.

Andrew Love, saxofonista estadounidense nacido en Memphis, Tennessee, en 1941, y fallecido en 2012. su interés por la música comienza desde bien niño, en la iglesia bautista en la que su padre ejerce como pastor. Después de seguir con su formación musical en la escuela secundaria y en la Universidad de Langston (Oklahoma), regresa a Memphis en 1965, comienza a trabajar en el sello Stax y se asocia con Wayne Jackson. Como hemos comentado anteriormente, los dos crean ese sonido característico de la sección de viento del sello discográfico. Después de trabajar como dúo grabando para multitud de artistas, los dos se incorporan a los Memphis Horns, y continúan su trabajo como músicos de sesión, apoyando a infinidad de artistas, Neil Diamond, Elvis Presley, Otis Redding, Lulu, Albert King, Joe Cocker, Keith Richards o Wilson Pickett son sólo algunos de ellos. Al Bell, copropietario del sello Stax, llegó a decir de Andrew, que a pesar de tener grandes saxofonistas a los que admiraba enormemente, ninguno le llegaba y le penetraba en el alma como Andrew Love.

Chad Cromwell, baterista estadounidense nacido en Paducah, Kentucky en 1957. Con 3 años se muda con su familia a Memphis, y con 13 se muda a Nashville, Tennessee, donde permanece el resto de su infancia, y donde a la edad de 8 años comienza a tocar la batería mientras escucha discos en su habitación con unos cascos. Con 11 años ya toca en bandas de garaje del barrio donde vive. Su carrera despega en 1986, cuando empieza a grabar y hacer giras con Joe Walsh, y una año después empieza a colaborar con Neil young, con quien realiza varias giras y trabaja en varios discos, entre los que se encuentran Freedom (1989), Prairie Wind (2005), Living With War (2006) y Chrome Dreams II (2006). También ha participado en varios álbumes de Mark Knopfler, ha realizado una gira con Crosby, Still, Nash & Young, y ha trabajado con muchos otros artistas como Vince Gill, Diana Krall, Willie Nelson, Bozz Scaggs, Jackson Browne, Bonnie Raitt, Peter Frampton, The Beach Boys y Stevie Nicks entre otros. Además,, en el año 2000 formó  la banda Fortunate Sons junto con Michael Rhodes, Gary Nicholson, Kenny Greenberg y Reese Wynans.

Frank Ricotti, vibrafonista y percusionista de jazz inglés nacido en Londres en 1949. Nacido en una familia donde se respira la música, decide seguir los pasos de su padre baterista, y se dedica a la percusión. Pronto llama la atención del maestro, saxofonista y compositor británico Bill Ashton, que le anima a proseguir con su formación musical. Ricotti se centra entonces en el vibráfono y desarrolla su  talento como compositor y arreglista tocando en la National Youth Jazz Ochestra, hasta que ingresa en el prestigioso Trinity College of Music en 1967, donde cursa sus estudios musicales hasta 1970. Desde finales de los 60 y hasta mediados de los 70 trabaja con Neil Ardley, Dave Gelly, Graham Collier, Mike Gibbs, Stan Tracey, Harry Beckett, Norma Winston, Godon Beck y Han Zimmer. También en esa época, y hasta principios de los 70, dirige su propio cuarteto de jazz. Es a partir de 1984, cuando se centra principalmente en su trabajo en como músico de estudio, colaborando con artistas como Status Quo, Freddie Mercury, Pet Shop Boys, Harvest, Meat Loaf, Rick Wakerman, Oasis, Tina Turner, Aztec Camera, Alphaville y Mark Knopfler entre otros. 

Carmine Rojas, bajista, director musical y compositor estadounidense nacido en Brooklyn, Nueva York en 1953. Sus estilos abarcan rock, R&B, funk y jazz. Entre 1983 y 1987 acompaña a David Bowie por todo el mundo, y su bajo suena en varios éxitos del Duque (Let's Dance, China Girl, Mordern Love y Blue Jean entre otros). También, entre 1985 y 1986, realiza una gira como director musical y bajista de Julian Lennon. Entre 1988 y 2003 trabaja para Rod Stewart, desempeñando también el papel de director musical y bajista en sus giras, y participa coescribiendo temas en sus álbumes Vagabond Heart y A Spanner in te Works. Durante su extensa carrera musical también ha tenido tiempo de grabar, realizar giras y tocar junto a muchísimos artistas más, entre los que se encuentran Tina Turner, Keith Richards, Stevie Wonder, Ron Wood, Stevie Ray Vaughan, BB King, Mick jagger, Eric Clapton, Joe Bonamassa, Eric Johnson, Peter Frampton, Al Gree, Ian Anderson, Paul Rodgers, Steve Winwood, Billy Joel,Herbie Hancock, Lee Ritenour, Beth Harth, Sam Moore, Carole King, Michael Hutchence, Carlos Santana, Allen Toussaint, Glenn Hughes y Alphaville.

La música en historias: Despidiendo el #MesDeepPurple

 

     Llega el final del mes de mayo y toca despedir a Deep Purple, el genial grupo brotánico que nos ha acompañado todo el mes y del cuál hemos intentado desgranar una pequeña parte de su obra, pues para hacerlo de toda nos llevaría una larga temporada.

Ya he comentado en más de una ocasión mi pasión por este grupo, el cual me viene desde bien joven, al  igual que al baterista de Metallica Lars Ulrich, que fue llevado por primera vez por su padre a un concierto de Deep Purple cuando tenía 9 años, y al escuchar Child in Time quedó completamente prendado. según Lars, aquel fue uno de esos momentos que le cambiaron la vida, y no se cansa nunca de escuchar este tema. 

A Deep Purple parece que todavía le queda cuerda para rato, pues en 2020 publicó su último álbum de estudio, Whoosh!, con el que suman desde su formación allá por 1968 nada menos que 21 álbumes de estudio. Siempre se ha dicho que el grupo era más una banda de directo que de estudio, algo que puedo corroborar, pues he tenido la fortuna de verlos varias veces en directo. No en vano atesoran más discos publicados en directo que en estudio, concretamente 25, a los que hay que sumar las 28 giras mundiales que llevan a sus espaldas desde su fundación, casi nada.

Durante sus más de cincuenta años en activo, esta banda se ha ganado el derecho a ser reconocida como una de las mejores bandas de rock de la historia, y como es lógico, muchos son los artistas y grupos que se han visto influenciados por ellos. Agunas versiones que me vienen a la cabeza a bote pronto son Black Night, interpretada por Bruce Dickinson y que acabó en formato single con el nombre Dive! Dive! dive! en 1990; En 2007 Dream Theater publican en directo Made in Japan, disco tributo a Deep Purple, una de sus bandas favoritas, algo que ya habían hecho anteriormente con Metallica, Iron Maiden y Pink Floyd; La banda alemana Helloween se marcaron en su disco de 1999, Metal Jukebox una interesante versión del Rat Bat blue del álbum Who do We Think We Are (1973) de los británicos.En 1972 la banda liderada por Phil Lynnot, Thin Lizzy, bajo el seudónimo de Funky Junction, se marcaron un disco tributo a Deep Purple, llamado Play a Tribute to Deep Purple, a petición del empresario discográfico Dave L. Miller, que usó también el seudónimo de Leo Muller. Miller era un reputado coleccionista, y ofreció a Lynott y compañía la cifra de mil libras por la grabación del citado álbum, que contenía varios temas y entre los que se encontraban cinco de Deep Purple, Fireball, Black Nigth, Strange Kind of Woman, Hush y Speed King.

Podríamos estar recordando covers del banda durante horas, pero me gustaría cerrar con el pedazo de versión en directo de Highway Star que Chickenfoot realizó en 2012 para el álbum tributo a la banda, publicado cuando se cumplieron 40 años del lanzamiento de Machine Head, y que se tituló Re-Machined: a Tribute to Deep Purple's Machine Head. La super formación Chickenfoot está compuesta por Sami Hagar, Michael Anthony, Chad Smith y uno de los considerados miembros oficiales de Deep Purple, Joe Satriani. En aquel disco tributo, muy recomendable por cierto, además del Highway Star, interpretado por Chickenfoot, fueron grabados Smoke on the Water por Carlos Santana, Jacobby Shaddix y Dennis Chambers, Maybe I'm A Leo por Glenn Hughes y Louis Maldonado, Pictures of Home por Black Label Society, Never Before por Kings of Chaos, Lazy por Joe Bonamassa y Jimmy Barnes, Space Truckin' por Iron Maiden, y la denostada por Ritchie Blackmore When A Blind Man Cries grabada por Metallica.

No nos queda más remedio que despedir el emocionante mes dedicado a Deep Purple, pues hay que dejar paso al artista que nos acompañará en junio, y ya os voy avanzando que regresamos a casa, así que abrocharos bien el cinturón, no vaya a ser que "tengáis flojos los pantalones" y se os caigan, porque este mes que se avecina, junio, llega el "Maestro"...

0821-. Going Down - Freddie King

 

Going Down, Freddie King

     En 1971 aparece publicado el séptimo álbum de estudio del genial guitarrista, cantante y compositor de blues estadounidense Freddie King, titulado Getting Ready..., Este guitarrista, nacido en Texas y criado en su adolescencia en Chicago, fue uno de los que mejor supo entender y mezclar el estilo de blues de Texas con el blues de Chicago. El disco fue producido por Leon Russell y Don Nix, y publicado por el sello discográfico Shelter Records fundado por Leon Russell y Denny Cordell. El disco fue grabado en los Ter Mar Studios, fundado en 1950 por los fundadores del mítico sello Chess Records, Phil y Leonard Chess, y adquirido en 1969 por la corporación GRT Corporation. Para tal aventura, Freddie King contó con la colaboración de Claudia Lennear, Don Preston, Joey Cooper y Kathi McDonald a los coros, Donald "Duck" Dunn al bajo, Charles Myers y Chuck Blackwell a la batería, Don Preston a la guitarra, John Gallie al órgano y Leon Russell al piano y la guitarra.

Incluido en este álbum se encuentra Going Down, un tema que Freddie eleva a la categoría de sublime, aunque dicho tema no era suyo y no fue el primero en grabarlo. Dicho tema fue compuesto por Don Nix, quien fuera músico, compositor, arreglista y productor estadounidense, y quien curiosamente es uno de los productores de este disco. Don Nix tuvo un papel muy importante en la creación y desarrollo del llamado sonido Menphis Soul, el cual fue desarrollado en los famosos estudios Stax Records, y que tuvo como uno de sus máximos exponentes a Booket T & The MG's. Don Nix se dedicaba a la ingeniería musical, y comenzó su carrera musical tocando el saxofón en la formación Mar-Keys, el germen de lo que acabaría siendo Booker T & The MG's. Posteriormente Don abandona Mar-Keys para trabajar en la producción y composición para otros artistas. Por sus manos, además de Freddie King, pasaron artistas de la talla de George Harrison, John Mayall & The Bluesbreakers, Albert King, Jeff Beck, Brian May y Eric Clapton entre otros muchos. Going Down fue compuesto por Don y fue grabado por primera vez por un grupo llamado Moloch en 1969, en su álbum homónimo. Este tema ha sido versionado por gente como Jeff Beck, J J Cale, Bryan Ferry, Pearl Jam, Gov't Mule, Deep Purple, Stevie Ray Vaughan, Joe Satriani, Lez Zeppelin, Joe Bonamassa o Sami Hagar entre otros. Aunque si tengo que elegir, siempre me quedaré con el "alma" y sentimiento que transmite la versión de The Texas Cannonball (La bola de cañón de Texas), como era conocido el bueno de Freddie.

Canciones que nos emocionan: Going Down, Freddie King

Freddie King

  

     En esta ocasión voy a hablar de uno de esos temas de blues que puedo estar escuchando en bucle una y otra vez sin parar, y es que la versión que se marca nuestro amigo Freddie King es brutal, espectacular. Y digo versión, si amigos, pues al principio cuando conocí este tema siempre tuve la certeza de que era de Freddie, (el tema en cuestión aparecía en su disco titulado Getting Ready - 1971), pues no, con el tiempo descubrí que ni era suyo ni fue el que primero lo grabó, pero su versión es para mí la mejor, pura emoción, fuerza y sentimiento.

    

I'm going, down, down, down

Down, down

Yes, I'm going down, yes

I'm going down, down, down

Down, down

Yes, I've got my feet in the window

Got my head on the ground

Let me down

And close that box car door

Yes, let me down

And close that box car door

Well, I'm goin' back to Chattanooga

And sleep on sister Irene's door

Hey!

Yes, I'm going down

I'm going down

I'm going, down, down, down

Down, down

Yes, I got my feet in the window

I got my head on the ground

     Después de descubrir que este tema no era de Freddie me puse manos a la obra y comencé a investigar, y descubrí que había sido compuesto por Don Nixon, el cuál es un músico, compositor, arreglista y productor estadounidense. Así de primeras este nombre puede no decirnos nada, pero esta persona tuvo un papel muy importante en la creación y desarrollo del llamado sonido Menphis soul, sonido que se desarrollo en los famosos estudios Stax Records y que tuvo cómo uno de sus máximos exponentes a los maravillosos Booker T & The MG's.

     Don nació en Memphis, Tennessee, y mientras su hermano Larry se dedicaba a la ingeniería musical (ingeniero de masterización y sonido para Stax Records y para los estudios Ardent Recording de Memphis) él comienza su carrera tocando el saxofón, y lo hace tocando para Mar-Keys. Mar- keys era una banda de sesión de los estudios Stax, y cuando Don abandona la banda, Mar-keys evoluciona y acaba adoptando el nombre de  Booker T & The MG's, casi nada.

     Y Don abandona la formación de Mar-Keys para trabajar en  la producción y composición para otros artistas, y la lista de gente con la que trabajó tanto en una faceta como en la otra es impresionante: George Harrison, John Mayall & The Bluesbrakers, Freddie King, Albert King, Jeff Beck, Brian May y Eric Clapton por citar sólo algunos.

     Entre sus composiciones se encuentra Going Down, tema que compuso Don y que vio la luz por primera vez de la mano de un grupo llamado Moloch en 1969 en su álbum homónimo. Un tema que ha sido versionado por gente de la talla de Jeff Beck, JJ Cale, Bryan Ferry, Pearl Jam, Gov't Mule, Deep Purple, Stevie Ray Vaughan, Joe Satriani, Led Zeppelin, Joe Bonamassa ó Sami Hagar entre otros. Y de todas la versiones yo me quedo con la de Freddie King, que para mí fue el que mejor ha sabido transmitir "el alma" de este maravilloso tema.